В пространстве U Contemporary в ЦСИ Винзавод Московская школа современного искусства и Британская высшая школа дизайна представят выставку «Затянувшееся мгновение», где будут показаны фотографии Дениса Будилова и Максима Иванова. Куратор — Ирина Чмырева.

«Затянувшееся мгновение» — это парадокс из философских споров о времени. Человек признает его бесконечность и невозможность постоянного присутствия в нем. Даже память не позволяет пребывать во времени непрерывно — все, что мы помним, — отдельные «затянувшиеся» мгновения.

Выставка раскрывает видение двумя авторами природы фотографии. Оба художника являются выпускниками программы BA (Hons) Photography Британской высшей школы дизайна, и после выпуска в их проектах продолжает прослеживаться диалог.

Максим Иванов представляет проект «Обиды», который исследует эту сложную психологическую реакцию. Участники проекта, «испытуемые» — соавторы Максима по созданию цветных портретов, — прожевывали, глотали или выплевывали свои «обиды». Работы буквально создавались во рту. Выплюнутая пленка — безликое и по-своему безобразное произведение, результат пережитого испытания: «Волевое вынашивание чего-то инородного, царапающего и отравляющего, при этом гладкого, легкого, несерьезного, с интригующими последствиями [самого процесса], кажется, и было для меня главным в этой аллегории обиды», — говорит художник.

Денис Будилов в своих проектах «Cadere» и «Genesis» исследует время и свет. «Cadere», буквально «падение», — это проект-метафора, который состоит из изображений падающих созвездий. Cозвездия, в свою очередь, — это несбывшиеся ожидания: «они падают и разбиваются где-то далеко, забирая с собой надежды зрителя, делая их недосягаемыми». В проекте «Genesis» особое внимание уделено природе света. Работы с линией засветки напоминают зрителю о затянувшемcя световом следе памяти.

Пресс-показ и вернисаж состоятся 18 и 19 октября с 19:00 до 21:00
Даты выставки: 20 октября – 26 ноября 2021
Адрес: 4-й Сыромятнический пер., 1, стр. 6, Центр современного искусства Винзавод, U Contemporary

Забота, замедление, инклюзивность: как пандемия меняет взаимодействие арт-сообщества

Пандемия повлияла на взаимодействие между институциями, самоорганизациями, художниками и кураторами. Кризисная ситуация обострила уже существующие проблемы сообщества и поставила на первое место ценности заботы, взаимопомощи и солидарности.

О том, как адаптироваться к новым реалиям, как этому помогает онлайн-формат, как уберечь себя от выгорания и сохранить ресурс, поговорили куратор Московского музея современного искусства Анна Журба, художник, куратор и заведующий кафедрой живописи института «База» Иван Новиков и Адель Ким, менеджер филиала Третьяковской галереи во Владивостоке, исследовательница, соорганизатор ассоциации арт-резиденций России.

Также в обсуждении приняли участие Анастасия Беспалова, художница и независимый куратор из Костромы и Елена Аносова, фотограф и куратор из Иркутска, выпускница Школы фотографии и мультимедиа имени Родченко. Модератором встречи выступил независимый куратор международных выставочных и образовательных проектов, художественный руководитель фонда поддержки якутского искусства Ayar Kut, арт-критик, руководитель программы «Практики кураторства» Александр Буренков.

Современная забота об искусстве: от индивидуализма к солидарности

Александр Буренков: События последних лет, изменения в социально-экономической среде, в том числе связанные с пандемией, требуют переосмысления и формирования нового языка кризиса, нового языка заботы. Куратор Елена Сорокина в апреле прошлого года вместе со своей коллегой Наташей Петрешин-Башлез организовала проект под названием «Инициатива для практик и видения радикальной заботы», посвященный попыткам переосмыслить, каким образом различные художественные, культурные организации реагируют на вызовы кризиса. Современный капитализм Сорокина назвала нарциссическим авторитарным этатизмом. Он сформировал определенную модальность заботы, где она может рассматриваться только с индивидуалистических, эгоистических позиций.

Такая забота как будто исключает заботу о других: меньшинствах, беженцах, не замечаемых группах общества. В итоге складывается ситуация, когда само искусство и система культурных институций является продуктом такого индивидуалистического подхода к заботе. Забота воспринимается как развлечение, статусный инструмент, демонстративное потребление. С каких этических позиций должны курироваться культурные проекты в современных институциях? Каким образом забота о художниках и о других , может стать частью функционирования современных культурных институций? Эти вопросы стоят перед нами уже сегодня.

В ответ на них становится более актуальной идея медленного, заботливого, гостеприимного кураторского подхода. Современная забота в культурных институциях должна быть выстроена через идеи взаимозависимости, а не через взаимодействие независимых агентов и функционеров. Эта теория расширяет представления о современной заботе до внечеловеческой солидарности в заботе о планете, климате, других живых и не живых существах.

Забота о художниках как ответ на вызовы пандемии

Московский музей современного искусства – это городской музей, то есть отчасти государственный. Таким институциям бывает сложнее приспособиться к новым условиям. Это достаточно большие организмы, пронизанные различными бюрократическими процедурами, которые не позволяют так оперативно реагировать, как это делают небольшие институции и самоорганизованные инициативы.

Анна Журба: Вызов, с которым столкнулся не только Московский музей современного искусства, но и в целом музеи по всему миру: пространство сайта стало основным пространством коммуникации. К этому почти никто не был готов. Многие музеи, не только российские, смотрели на сайт как на страницу, где можно посмотреть часы работы и название выставки. Как инструмент коммуникации со зрителем ее никто не рассматривал, многие даже сегодня понимают, что не видят механизмов и сил в себе наладить эту работу так, как стоило бы в условиях невозможности выйти из дома.

В момент кризиса наша институция заняла позицию поддержки художников. Биеннале молодого искусства мы провели с этой целью, выплатили участникам гонорары. Оплата работы художников на выставках – это большой институциональный вопрос в нашем мире, мы долго шли к тому, чтобы гонорар художника стал нормой и смогли этого достичь. Как мне кажется, пандемия во многом ускорила эти процессы. Мы быстро поняли, что помощь в художественных проектах и жизненных ситуациях художникам необходима. Институции, музеи как раз могут принять активное участие в этой помощи, в перераспределении ресурсов в сторону конкретных людей, продакшенов выставочной архитектуры и так далее.

Забота – это не избегать конфликтов

Текущая выставка в Московском музее современного искусства называется Conflict Check и проходит в рамках второго сезона проекта «Форма художественной жизни». Она посвящена попыткам извлечь пользу из кризиса, из личных конфликтов и различных столкновений. Кажется, что конфликт не имеет ничего общего с заботой, однако именно в нем участники выставки видят продуктивную почву для развития художественной среды.

Анна Журба: Мы с моим соратником, куратором Сергеем Бабкиным решили, что тема самоорганизации очень важна и продуктивна. К тому же, самоорганизации являются территорией, на которой происходят самые интересные и новаторские движения. При этом понятно, что у самоорганизаций зачастую нет пиар-ресурса, иногда нет эмоциональных сил на распространение информации о своих проектах. Мы подумали, что можно использовать ресурс институции в том числе, чтобы о факте существования самоорганизаций узнала более широкая публика, постоянные посетители музея, которые зачастую не являются постоянными посетителями самоорганизации.

Проект, который сейчас идет, должен был быть первой серией в этом новом сезоне. Мы хотели построить его на принципе диалога между самоорганизацией из одного из городов России и самоорганизации одной из стран бывшего соцблока. Эта коммуникация должна была случаться либо по инициативе приглашенной нами самоорганизации, в данном случае это были FFTN+ из Санкт-Петербурга, либо нашими совместными поисками, основанными на какой-то тематике, общем интересе самоорганизации. Так получилось, первый диалог сломался, и стало понятно, что проект в этой форме не получится. Учитывая предыдущий опыт работы с самоорганизациями, в том числе опыт конфликтов, мы решили сменить формат.

У нас не принято анализировать конфликты культурно и подходить к ним спокойно и созидательно. Над художественной средой довлеет идея о том, что все должны быть со всеми согласны и двигаться в одном направлении, поэтому конфликты подавляются. Мы подумали, что будет честно построить разговор, пригласив другие самоорганизации, которые испытали внутренний конфликт либо работают с темой конфликта, и сделать совместное высказывание.

Замалчивание конфликта непродуктивно, а проработка конфликтов — это как раз то, чем некоторые из нас занимаются с психотерапевтом на регулярной основе. Как терапия, так и забота должны быть такие ежедневными ритуалами, как почистить зубы. Разрешение и проговаривание конфликтов должны быть повседневным гигиеническим минимумом.

Иван Новиков: Есть идея, которую разделяли некоторые художественные деятели 90-х: кураторство — это, в первую очередь, дружба. Понятно, что у этой позиции есть свои проблемы. Но, как мне кажется, забота — это новая форма взаимопомощи и дружбы. Сейчас, во время того же локдауна, огромное количество художественных деятелей, сообществ и институций столкнулись с тем, что они могут получить структурную помощь, финансовую, или помощь с арендой.

Но есть множество проблем, которые не решить грантом, например, эмоциональное выгорание. Я участвовал в проекте Анны, как раз связанном с опытом переживания конфликтов. Этот проект оказался формой взаимопомощи, психологического уравновешивания, проговаривания. Часто именно этот опыт гораздо важнее для участников арт-сообщества, чем опыт выставочный, или финансовая поддержка.

«Медленные» арт-резиденции онлайн и оффлайн

Ограничение мобильности художников подтолкнуло к трансформации арт-резиденций. Многие из них с разной степенью продуктивности перешли в онлайн или в десктопные приложения. Однако онлайн-резиденции усложняют основную цель этого формата: изменить контекст, погрузиться в другую культуру, наладить диалог и культурный обмен с другими профессионалами.

Однако резиденции нового типа внесли тенденцию замедления, более длительного погружения в контекст. Участие, не нацеленное на быстрый результат, возможность провести более цельное исследование стали новой моделью для любой резиденции.

Адель Ким: Когда мы говорим о заботе и институции, резиденция — это то, что первым приходит на ум. Конечно, резиденции — это возможность перемещаться в какое-то новое окружение, видеть новые города, страны, знакомиться с кем-то, находиться постоянно в процессе коммуникаций, но это так же и возможность постоянного пребывания, работы с теми, кто представляет эту резиденцию. Редко бывает, что вам просто вручили ключ, а дальше каждый сам по себе. Приезжая в резиденцию, художник проходит все ступени знакомства с местом при поддержке медиатора, будь это координатор, куратор, менеджер, волонтер. Это формат, в котором соприкосновение институции с художником наиболее близкое. Все, начиная с бытовых вопросов и заканчивая художественным проектом, сопрягается с работой этой институции.

Если говорить о длительности резиденций, то это российская особенность делать резиденции от двух недель до максимум полутора месяцев. Понятно, что за это время ни один художник не сможет создать какой-то финальный проект. При этом, все резиденции ориентированы на результат, на выставку, на презентацию. В редких исключениях по итогам можно представить работу в процессе. Что касается мировой практики, продолжительность резиденции может достигать года, полутора лет с возможностью продления.

Пока, как мне кажется, мы еще пытаемся осмыслить, что же такое резиденция в России. Как с ней работать максимально этично, не инструментализируя художников? Я думаю, забота в резиденциях должна пониматься еще шире. То есть мы не только заботимся о художниках, мы должны их слушать.

Онлайн-резиденции уже с середины 10-х годов практикуют в Европе как один из возможных способов работы с художниками, которые не имеют возможности перемещаться свободно и не могут приехать. Развитие этого способа участия связано не только с событиями прошлого года. Но в условиях закрытых границ тот бюджет, который заложен на физический приезд и пребывание художников, можно перенаправить на закупку техники и другие организационные расходы онлайн-формата.

Есть замечательный кейс арт-резиденции СПАР (Санкт- Петербург), которая перешла почти полностью на онлайн-формате и успешно в нем работает. Одна из основных причин, почему они перешли в онлайн — изначально у них был фокус на зарубежных художников. По итогу у них сложилось настоящее онлайн-комьюнити, которое казалось бы так сложно организовать и удержать. Если мы хотим поддерживать художников, нужно быть гибкими и всегда думать о том, какие есть еще варианты, которые могут способствовать заботе.

Переход в онлайн как забота о региональных художниках

Онлайн-резиденции стали не только способом выживания проектов в пандемию, но и большой возможностью для регионов наладить связи и контакты, чтобы развивать арт-сообщества на местах.

Елена Аносова: Переход в онлайн актуален как никогда для таких труднодоступных мест как Сибирь. Я говорю «труднодоступных» не потому, что туда трудно добраться, а потому, что это дорогое удовольствие. Часто резиденция просто не может покрыть авиабилет. Поэтому переход резиденций в нетворк-формат это невероятно эффективная история и она имеет необходимый градус заботы. В качестве примера приведу резиденцию «Шишимская горка». Она планировалась в Екатеринбурге, но совпала с началом пандемии. Стало понятно, что офлайн встречи нельзя будет проводить, и может быть даже сама выставка не состоится. Финансовые ресурсы перераспределили на то, чтобы ряд критиков, кураторов и других деятелей искусств написали текст и сделали исследования для работ художников. Это невероятное проявление заботы и с точки зрения резиденции и вообще какого-то мироустройства относительно изменившихся обстоятельств.

Вторая кураторская школа проекта «Немосква» для меня имела значение. Она проходила в течение года, мы каждую неделю встречались, у нас были зум-занятия. Мы не только учились в этой школе, но мы же ее и делали. Участие в основном приняли художники и кураторы из регионов. С нами была Асли Самадова из Азербайджана, которая работала в Баку и Милане, это был невероятный опыт взаимодействия. Я нашла в лице своих коллег единомышленников, с которыми могу обсудить не только рабочие вопросы. Раз в неделю у нас были неформальные занятия, мы сами собирались в зуме и советовались друг с другом, обсуждали важные для нас вещи.

Очень часто переход из художника в кураторы, особенно в регионах, происходит слегка вынужденно. Ты просто понимаешь, что кроме тебя какие-то вещи никто не сможет организовать, потому что в регионе нет кураторов. Я уже не говорю про те регионы, где нет никаких институций современного искусства. В частности, в Иркутской области нет, поэтому я поступила в школу, чтобы получить опыт и поддержку. И я получила не просто поддержку, но еще и одобрение, что невероятно важно.

Часть моих коллег и экспертов из проекта «Немосква» из Улан-Удэ согласились приехать в Иркутск, приехала Барбара Хоуп, моя подруга и куратор из Вены. Мы провели бесплатную открытую встречу для иркутского сообщества, абсолютно неформальную, где любой мог прийти и познакомиться, посоветоваться, показать свои работы, спросить. До сих пор я получаю фидбэк от людей, которые получили поддержку и внимание на этой встрече.Так для моего региона «Немосква» способствовала заботе во многих проявлениях.

Забота о себе как источник ресурса

Анна Журба: Категория заботы невозможна в состоянии надрыва. Очень сложно эту категорию взращивать, когда процесс такой: уставший художник, работающий над тремя проектами одновременно, сталкивается с уставшим куратором, работающим над шестью проектами одновременно. Им всем помогает координатор, который работает над десятью проектами одновременно. Забота предполагает ресурс. Большой вопрос, где его брать и как корректировать с тем, чтобы забота о других была возможна. Иначе попытка заботы, приводит к выгоранию и аннигиляции самозаботы.

Анастасия Беспалова: Это ответственность и долг куратора – позаботиться прежде всего о себе. Работа из состояния минуса ведет к состоянию жертвы, к конфликту, к чувству выгорания. Чем можно поделиться, если у тебя ничего нет, а есть только раздражение?
Нам нужны форматы, которые помогали бы творческим профессионалам перезагружаться. Я бы смотрела в сторону междисциплинарности. Например, внедряла бы психотерапевтические практики в резиденции. Мне кажется, когда мы говорим о художественных и кураторских практиках глубокой сопричастности, это довольно небезопасный способ взаимодействия. И тут важен какой-то контроль, потому что искусство, все-таки, может травмировать. Может быть, это мог быть психотерапевт-супервизор. Необязательно человек из академической среды и медицины, но человек, который обеспечивал бы супервизию для культурных деятелей и давал обратную связь, нужен.

Кого не хватает в вашей галерее?

Разговор о заботе невозможен без упоминания ее обратной стороны: это привилегия, которая может оказаться доступна не каждому. С информационной, материальной или социальной точки зрения. И это тоже огромное поле работы для кураторов и институций.

Иван Новиков: Забота часто становится привилегией, потому что если у вас нет финансового тыла, который вам обеспечит поездку в резиденцию, отрыв от работы, у вас этого ничего не будет. Нужно быть готовым, что все разговоры о заботе — это высокий уровень, до которого нужно добраться, годами работая на других работах, зарабатывая на возможность съездить в резиденцию. Или учиться где-то. Не могу обойтись без ложки дегтя: профессиональное занятие искусством — это большая удача и привилегия. Это уникальная ситуация, которая возможна, но только в том случае, если вы живете один, у вас нет ни домашнего животного, ни детей. Никакой грант не покроет вам ваше количество семейных проблем. Большинство резиденций не поддерживают участников с детьми, с животными, с партнерами.

Александр Буренков: Вопрос привлечения разных художников также упирается в отсутствие инструментов, как донести до художников информацию о грантах, фондах, резиденциях, опен-коллах. Многие инициативы, которые агрегируют такие программы, не становятся популярными, не находят должного внимания в художественной среде, им не хватает пиар-ресурса.

Адель Ким: Очень важно, на мой взгляд, со стороны институций рефлексировать этот вопрос: кто не представлен у нас? Кого мы не видим? Каких художников нет? Какую политику исключения, возможно ненамеренно, мы проводим? Важно это осознавать и перепридумывать свои способы отбора, в том числе вводить более прозрачные схемы. У нас очень часто отбор на конкурсе проводит жюри, но мы можем не знать, кто смотрит работы и каким образом их оценивают. Сама институция должна это проговаривать: какие принципы и критерии лежат в основе отбора, почему тот или иной член жюри является носителем ресурсов.

Open Call: «Коллекция»

«Якитория»при поддержке Московской школы современного искусства (MSCA) запускает масштабный арт-проект «Коллекция Якитория», цель которого – поддержка и развитие современного искусства в России. Так, талантливые художники со всей страны смогут принять участие в создании цифровой коллекции картин, а гости «Якитории» получат возможность попробовать себя в роли начинающих коллекционеров. Франчайзи-сеть объявляет Open Call для художников, работающих в медиуме живописи, графики, коллажа и фотографии, прием работ начинается с 11 октября. А с 1 по 8 ноября профессиональным жюри будут отобраны лучшие работы для участия в проекте, приуроченном к 22-й годовщине бренда «Якитория».

Концепция Open Call основывается на японской эстетической категории «югэн» – ускользающая красота, интуитивное восприятие. Цифровые копии работ, отобранные в рамках проекта, будут представлены потенциальным коллекционерам, а также широкой аудитории бренда. Кроме того, победители Open Call получат денежные призы в размере от 50 до 100 тысяч рублей.

Отбирать финалистов будет профессиональное жюри, в частности:

Михаил Левин - директор Московской школы современного искусства, куратор программы дополнительного профессионального образования «Современное искусство», художник, куратор.
Юля Василенко – Исполнительный директор Московской международной биеннале молодого искусства в ММОМА, со-основательница и экс-генеральный продюсер творческого объединения АРТМОССФЕРА.
Маргарита Пушкина - искусствовед, арт-менеджер, основательница и директор ярмарки современного искусства Cosmoscow.

Заявку на участие художники могут подать уже сейчас, прием работ завершится 31 октября. Результаты проекта будут объявлены 8 ноября. Подробнее с условиями участия и сроками проведения можно ознакомится на сайте.

Подробнее о проекте:
«Коллекция Якитория» — это уникальное собрание современных произведений искусства. Данный проект позволит талантливым художникам заявить о себе и своих работах, а ценителям искусства — собрать собственную виртуальную коллекцию, представленную цифровыми версиями картин, в увлекательном игровом формате. Кроме того, гости «Якитории» смогут ознакомиться с интересным образовательным контентом, посвященным современному искусству и коллекционированию в социальных сетях «Якитории» и на платформе проекта.

В частности, участники образовательных программ получат возможность просмотреть короткие видео-уроки по классическому и современному искусству, при помощи которых широкая аудитория сможет познакомиться с историей искусства, атрибутами «взгляда художника», и расширить свои знания о прекрасном в рамках увлекательных тестов и обучающих игр, таких как «направления искусства», «кто художник» и других.

«Мы рады стать партнером первой масштабной кампании «Якитории» в области современного искусства. Одной из главных миссий нашей школы является формирование и развитие сферы современного искусства в России, поэтому сотрудничество в данном проекте отражает наше стремление поддерживать молодых художников и привлекать внимание к их творческой деятельности», - отметил Михаил Левин, директор Московской школы современного искусства (MSCA).

«Идея проекта «Коллекция Якитория» заключается в поддержке современных художников и популяризации среди максимально широкой аудитории практики коллекционирования предметов искусства. Наша цель – способствовать развитию арт-индустрии в России, помочь становлению современных российских художников. В рамках Open Call будут отобраны наиболее яркие, интересные работы современных авторов. И уже в ноябре каждый сможет попробовать себя в роли коллекционера. Этим проектом мы хотим показать, что увлечение искусством – это не привилегия для избранных, ведь большая доля нашей аудитории – это люди, увлекающиеся живописью и, в частности, современным искусством. Поэтому, на наш взгляд, у проекта действительно большой потенциал и важная социальная роль», - добавил Александр Муратов, директор по развитию компании-владельца бренда «Якитория».

Подать заявку

Cube.Moscow и Московская школа современного искусства объявили о долгосрочном сотрудничестве

Арт-платформа Cube.Moscow и Московская школа современного искусства (MSCA) объявили о стратегическом партнерстве. Этот важный шаг для обеих институций будет способствовать интеграции молодых специалистов (художников, кураторов, арт-менеджеров) в профессиональную арт-среду.

MSCA станет резидентом Cube.Moscow, что позволит выпускникам Школы реализовывать свои проекты в этом пространстве.

В ноябре 2021 года MSCA запустит новую программу — «Практики кураторства» под руководством Александра Буренкова. Студенты этой программы будут работать с художниками 11 галерей, которые находятся в пространстве Cube.Moscow, и осуществлять на этой площадке свои кураторские проекты.

Также в Cube.Moscow планируется проведение выставок художников, которые учатся в Московской школе современного искусства. Это дает уникальную возможность студентам MSCA демонстрировать свои работы еще на этапе обучения — таким образом, стремление Школы к современному подходу в художественном образовании позволяет продемонстрировать новое молодое искусство довольно широкому кругу зрителей.

Помимо этого, MSCA и Cube.Moscow договорились о создании образовательной программы для клиентов Cube и ряде других инициатив.

Надежда Зиновская, сооснователь Cube.Moscow: «Арт-платформа Cube.Moscow всегда открыта для работы с новыми институциями, молодыми художниками и кураторами. Такие коллаборации всегда полезны для обеих сторон, и мы очень ждём, как будет выстроен процесс работы внутри проекта и какие результаты будут в итоге: новые выставки и, возможно, новые имена в российском современном искусстве».

Михаил Левин, директор Московской школы современного искусства: «Для нашей школы партнерства с ключевыми институциями арт-среды является одной из важнейших задач, так как нам очень важно дать возможность студентам быть максимально интегрированными в профессиональное сообщество. Сотрудничество с Cube.Moscow открывает большие перспективы для наших студентов и выпускников попробовать себя в реальных “полевых условиях” и погрузиться в живой процесс с ведущими специалистами в области современного искусства».

Гадание на образах: каким будет будущее визуальной культуры

Визуальность остаётся одним из главных способов обмениваться информацией — не важно, формируется она в реальности или в диджитал. Захваченные потоком образов, мы пытаемся проследить в нем появление будущего. А с помощью искусства — возможно, программировать его. Насколько визуальная культура сейчас определяет то, как мы будем мыслить завтра? Можем ли мы управлять ей или остаёмся ведомыми тем, что мы видим?

Модератор:

Анна Буали — искусствовед, куратор отдела новых медиа ГМИИ имени А. С. Пушкина и направления «Пушкинский XXI». Куратор программы «Новые медиа в современном искусстве».

Спикеры:

- Кей Уотсон — исследователь, продюсер и куратор, работает с искусством и новыми технологиями, фотографией и видео играми. Сейчас — и.о. руководителя диджитал-искусства в галерее Serpentine (Лондон) и научный сотрудник в Birkbeck, University of London. Недавние проекты: Artist Worlds (2021), Sophia Al-Maria, Tosh Basco and Kelsey Lu, Tarax’sup? (2020) Jakob Kudsk Steensen, The Deep Listener (2019) and Catharsis (2020); Hito Steyerl, Actual Reality OS (2019); Suzanne Treister, From SURVIVOR (F) to The Escapist BHST (Black Hole Spacetime) (2019); Jenna Sutela, I Magma (2019); Ian Cheng, BOB and Emissaries (2018) and The Serpentine Podcast (2018-21).

- Елена Петровская — к.ф.н., руководитель сектора эстетики Института философии РАН. Основные сферы интересов: современная философия, эстетика, американская литература и культура. Автор девяти книг, последняя из которых «Возмущение знака. Культура против трансценденции» (2019). С 2002 г. по настоящее время главный редактор философско-теоретического журнала «Синий диван». Лауреат Премии Андрея Белого (2011), а также премии «Инновация» (2012).

- Альбина Мохрякова — художница и режиссер. В 2019 победительница Премии Кандинского «Молодой художник года. Проект года». В 2021 лонг-лист Премии Кандинского «Молодой художник года». Участница 2-й российской Триеннале современного искусства в музее «Гараж» (2020). В 2018-2019 году представляла Россию на международной выставке арт-школ Artagon IV и Artagon Live (Франция, Париж). В 2021 сняла документальный фильм «Правда или действие» для Яндекс.Кью. Закончила школу фотографии и мультимедиа им.Родченко, мастерская видео-арта Кирилла Преображенского и Дмитрия Венкова (2018).

- Бен Эванс Джеймс — кинорежиссер и куратор. Куратор кинофестиваля transmediale в Берлине и соучредитель арт-пространства South Kiosk в Лондоне. Его фильмы были показаны на крупных международных фестивалях, включая Visions du Réel, Эдинбургский международный кинофестиваль и Sheffield Doc Fest, а также демонстрировались в галереях, включая MoMA в Нью-Йорке, Лондонский музей дизайна и HKW в Берлине.

- Александра Старусева-Першеева — доцент Факультета коммуникаций, медиа и дизайна НИУ ВШЭ, кандидат искусствоведения, режиссер, видеохудожник, исследователь современного искусства и кино.

- Евгений Гусятинский — киновед, куратор Garage Screen. Публикуется в журналах «Искусство кино», Premiere, «Кинофорум», в газете «Московские новости». С 2004 г. — редактор журнала «Искусство кино». Автор ряда статей издания «Новейшая история отечественного кино. 1986–2000. Кино и контекст».

Необходима регистрация.

Регистрация (на сайте БВШД)

Визуальная культура будущего: смартфон как форма чувственности, TikTok как наследие немого кино

Нейросети могут воспроизвести лирику в духе Курта Кобейна и Егора Летова, написать пьесу или картину, которая будет продаваться за большие деньги. В 2018 году портрет от нейросети, стилистически напоминающий Рембрандта, продали на аукционе Christie’s за 432 тысячи долларов.

В контексте бурного развития технологий, современным художникам нужно нащупывать новый визуальный язык и новые формы. Как быть, когда монополия на художественное производство уничтожена? Видеть в искусственном интеллекте угрозу или союзника? Как изменится визуальная культура под действием технологий? Об этом поговорили кандидат философских наук, руководитель сектора эстетики института философии РАН, главный редактор философско-теоретического журнала «Синий диван» Елена Петровская, современная медиахудожница, лауреат премии Кандинского Альбина Мохрякова и режиссер, доцент факультета коммуникаций, медиа и дизайна в Высшей школе экономики, Александра Старусева-Першеева.

«Техническое устройство — это форма нашей чувственности»

Мы практически не выпускаем смартфоны из рук. В них наша работа, развлечения, общение с друзьями и семьей. Через смартфон мы получаем информацию, услуги, через него же можем потреблять контент и сами создавать его.

Елена Петровская: «В нашем понимании эстетика выступает в первую очередь как некоторая дисциплина, но в условиях цифрового мира это скорее
чувственный опыт. Нужно признать, что чувственный опыт сегодня насквозь техничен, изменилось соотношение человека и техники. Если до недавнего времени мы могли говорить, что техническое устройство — это расширение человека, то сегодня это форма нашей чувственности. Эти перемены необратимы и произошли они буквально на наших глазах, когда появились big data и нейросети. Нейросети — это технология, которая превосходит возможности человека, может обрабатывать огромное количество данных и не повторять ошибок. Мы не можем охватить эту технологию нашим пониманием. Отсюда возникает идея ограниченности человека, в том числе в его использовании образов, и эта идея, как мне кажется, должна быть нашим ориентиром.

Эпоха больших данных, QR-кодов, цифровизации показывает нам, что изображение — это только один из способов передавать информацию, а мир, освоенный человеком, — это только часть мира. Господство человека подвергается сомнению, его место в мире проблематизируется».

Альбина Мохрякова: «Сейчас я все больше и больше убеждаюсь, что мы полностью уничтожили границу между реальным и виртуальным. Наше виртуальное присутствие в сети гораздо больше нашего присутствия в физическом мире.

Что касается технологий и визуальности будущего, я считаю что, технологии — это не новый язык, это только инструмент, который мы для себя используем как художники чтобы как раз создать то представление мира, тот образ мира в котором мы существуем и который хотим зафиксировать. Я смотрю на эти процессы критично и не могу назвать это новой визуальностью. Это то, что мы используем здесь и сейчас.

Один из больших трендов в современном искусстве — работа с играми и игровыми движками. Это пример того, как художники берут существующие инструменты, чтобы создавать новые нарративы, отражать суть нашего виртуального пребывания здесь и сейчас.

Мне кажется, что сейчас мы пребываем то ли в паузе, то ли в процессе нащупывания чего-то нового, потому что у нас появилось много инструментов, мы можем остановиться и поработать с ними. Например, меня сейчас очень интересует TikTok, социальные сети и блогерство. Мне интересно как эти каналы могут стать инструментами для художников и какое искусство они могут породить. Мы находимся в промежуточном состоянии и, на мой взгляд, ошибочно говорить о том, что постцифровая визуальность уже существует, она зафиксирована и будущее наступило».

TikTok и новый визуальный язык

Разговоры о клиповом восприятии, смерти театра, кино и других традиционных медиумов начались не вчера. Каждый раз с появлением новых инструментов возникает паника: сейчас все очень быстро изменится и мы не успеем приспособиться. Однако на деле изменения двигают сами люди и на освоение новых инструментов и создание нового языка требуется время.

Альбина Мохрякова: «Исследуя TikTok, я вижу в нем аналогии с кино начала XX века, фильмами братьев Люмьер. И там, и там люди пользуются языком тела, масками, визуальными образами, измененными голосами. У кино начала XX века сформировался свой язык и дальше он развился, кино было аттракционом, а стало искусством. Текущим медиумам и инструментам нужно время, чтобы сформировать свой визуальный язык. Сейчас идут эксперименты и визуальность меняется колоссально. Во многом это связано с доступностью технологий. Каждый может работать с тем медиумом, который ему близок, потому что у всех есть камера в смартфоне.

В своих работах я сочетаю игровую и театральную эстетику, документалистику, как например, в работе «Каэгха».

В моей последней работе о терапии, антидепрессантах и подростках Maybe therapy?, я создала целый огромный эпизод при помощи специально разработанного приложения, в котором подростки общаются о своих переживаниях и делятся опытом в чате».

Александра Старусева-Першеева: «Медиа и технологии становятся продолжением нас самих, и в той области экранных искусств, на которой я специализируюсь, это хорошо заметно. Например, когда только появилось кино, полностью изменился формат вообще трансляции образов и коммуникации. То же самое было и раньше: живопись изменилась, после того как появилась фотография. Это меняет в том числе то, как мы смотрим на мир. С появлением фотографии мы начали смотреть через объектив, затем движущееся изображение только укрепило эту нашу особенность. Я часто ловлю себя на том, что события прошлой недели вспоминаю уже в смонтированном виде: общий план, средний план, крупный план. Таким образом воспоминание зашифровано в сознании, мы настраиваем оптику наших глаз в соответствии с тем, как видит камера.

Недавно вышла книга Жана Люка Нанси о режиссёре Аббасе Киаростами. В ней он говорит, что взгляд режиссера, не только Киаростами, является некой формой, в которую зритель включается и делает ее своей. Я думаю, это работает со всеми медиа, потому что мы начинаем смотреть на мир с точки зрения того как это будет выглядеть в Инстаграме, ТикТоке, анализировать нечто видимое, исходя из моделей, усвоенных из компьютерных игр. Получается такой постоянный обмен: с одной стороны, медиа предлагают нам форматы, способы видения, с другой стороны – опираясь на эти способы видения, мы можем представлять дальше, придумывать так и вырабатывать новый формат.

Мне кажется, то, чем занимаются видеохудожники, — это эксперименты в этом поле, в поле того, что мы ещё не умеем видеть. Они показывают нам то, как можно было бы смотреть по-другому. Именно поэтому часто пишут о том, что видеоарте нет сюжета. Сюжеты там, конечно, есть, однако зритель интуитивно чувствует, что не в сюжете суть. Суть в том, какими другими глазами, с помощью какой другой оптики можно смотреть на нашу реальность.

То, что принесли цифровые технологии, — это большой важный сдвиг парадигм видения и чувствования, потому что мы сегодня понимаем что все каналы коммуникации — это последовательность кода, будь это музыка, движущееся изображение или текст. Все они так или иначе превращаются в нолики и единички и значит, они соприродны друг другу.

Мне кажется, что в будущем визуальность будет двигаться в сторону
синестезии. Мы уже это видим в устойчивом развитии виртуальной реальности, дополненной реальности, в том, что гаджеты дают нам возможность нечто увидеть, услышать и потрогать одновременно. Мне кажется, что самые интересные опыты сегодня лежат именно в этой плоскости».

«Художникам будущего нужно перестать делать изображения»

Александра Старусева-Першеева: «Художник уже не обладает монополией на производство образов. Он должен уклоняться от производства образов, потому что образы производят все. Что же художник должен делать? Вероятно, он должен как-то переписывать, перестраивать визуальность на уровне кодов. Режиссер – это уже не тот, кто снял фильм, режиссер — это тот, кто вывернул кинематограф наизнанку и показал зрителю способ рассказывания визуальной истории, которую тот не мог себе даже представить. Сегодня художник оказывается перед необходимостью не просто придумать свой стиль или свой прием, ему нужно перепридумать вообще всю профессию, ставки растут».

Елена Петровская: «Если взять пример ТикТока, он ведь не про изображение. Да, там есть пластика, там есть тело, которое движется, там есть фантазии, там есть сюжет, но это не главное. Главное — удержать внимание того, кому вы обращаете свой коммуникативный импульс. Поэтому я считаю, что изображение сегодня играет никакой роли вообще. Художникам будущего нужно отказаться от идеи делать изображения. Изображения все уже есть, они все сделаны, они прекрасны, вы можете к ним бесконечно возвращаться.

Цифры разрушают наше понимание изображения как того, в чем мы можем увидеть отпечаток человеческого, того, что импонирует, что понятно нашему взгляду и глазу. Изображение настраивает нас на эстетику, а нужно понять, что такое жизнь.

Когда я говорю: «Не делайте изображение», это не значит, что художники не должны ничего производить. Производите и делайте больше, но просто вам нужно понимать, что именно вы хотите сделать с помощью тех же изображений, это должна быть осмысленная работа. Живопись сегодня не та, какой она была в XIX-м веке, потому что живопись вписана в мир, в котором она не является преобладающей культурной практикой, в котором изменилась коллективная чувственность. Наш чувственный опыт сегодня насквозь технологичен. Но это не значит, что нужно отдать искусство на откуп нейросетям. С ними нужно сотрудничать, кооперироваться на базе взаимопомощи. Мы привыкли к тому, что мир — это то, что нам противостоит, но на самом деле нами должно двигать желание взаимопомощи по отношению к другим видам, к неживому в том числе».

Узнать о новых технология и формах художественного высказывания можно на программе «Новые медиа в современном искусстве», которая стартует в ноябре в Московской школе современного искусства.

Круглый стол «Радикальная забота об искусстве, других и планете. О ком и как заботиться куратору?»

Задолго до начала глобальной пандемии феминистские экономисты, социологи и политические теоретики диагностировали глобальный кризис медицинской помощи. Стремительно изменившийся глобальный социально-экономический контекст требует разработки нового языка вокруг заботы — в противопоставление «заботы о себе», включая заботу о климате, заботу о Земле, заботу о «других» (в том числе других живых существах и «не-человеках») или планетарную заботу, расширяющую отношения заботы за пределы человеческой взаимозависимости.

Исторически сложилось, что кураторы (как институциональные, так и независимые) несут ответственность за заботу, юридические и моральные обязательства по обеспечению безопасности и благополучия других. Но как вернуть себе уход и заботу о себе посредством кураторства? Как лучше понять политику взаимозависимости? Как сделать заботу об эмансипаторном и преобразующем кураторстве значимой? Как превратить заботу о себе в политическое оружие? Почему учреждения современного искусства так любят говорить о заботе, оставаясь зачастую такими беззаботными и неинклюзивными? Кризис последних лет выявил скрытые трещины в системе, а также невидимые инфраструктуры, которые ее поддерживают: то, что не работает, внезапно стало очевидным. Это особенно верно в отношении культурного сектора, музеи и культурные институции по всему миру одними из первых были вынуждены закрыть свои двери. Несмотря на проблемы, связанные с беспрецедентным кризисом, многие культурные учреждения продолжили служить источником устойчивости и поддержки своих сообществ, адаптируясь под новые условия и разрабатывая новые способы обеспечения широкого доступа к культуре, образованию и выявляя новые кураторские стратегии.

На круглом столе эксперты обсудят современные вызовы, стоящие перед проектированием выставочных и образовательных проектов, которые могли бы побуждать всех их участников и посетителей к справедливому будущему, а также способы осмысленного воплощения политики заботы о природе и других для проектирования современных выставочных программ.

Спикеры:

Адель Ким — куратор, менеджер, исследователь. Магистр искусств Manchester University и МВШСЭН по специальности "Менеджмент в сфере культуры" (2020), Hongik University по специальности "Теория искусства" (Сеул, 2018). Участник проекта "Reside / Sustain: Арт-резиденции и устойчивое развитие в Финляндии и России". Соорганизатор Ассоциации арт-резиденций России, редактор портала AiR of Russia. Менеджер филиала Третьяковской галереи во Владивостоке, ранее - менеджер арт-резиденции "Заря" (Владивосток, 2016-2018), стажер MMCA Residency Goyang (Сеул, 2014). Лауреат премии "Инновация" в номинации "Региональный проект" (выставка IN RESIDENCE. Из коллекции ЦСИ "Заря", 2020, совместно с А. Багдонайте и А. Василенко). Автор статей и лекций о российских арт-резиденциях и современном искусстве Южной Кореи.

Елена Аносова — фотограф, куратор, выпускница Московской школы фотографии и мультимедиа им. Родченко (2016), член Союза фотохудожников России, живет и работает в Иркутске и Москве. В своей работе комбинирует документальную фотографию, видео, инсталляции, работу с архивом и издание книжных проектов, исследуя социальное и личное во взаимоотношениях между людьми, а также анализируя местные традиции Сибири и Дальнего Востока, религиозные ритуалы, а также на уклад жизни в принципе. Обладательница ряда наград, в том числе World Press Photo (2019), The LensCulture Exposure Awards (1-е место среди серий, 2017) и Center Project Launch Grant (2016). Ее фотокнига «Section» вошла в шорт-лист премии MACK First Book Award в 2016 году. Аносова — участница арт-резиденций «Заря» во Владивостоке (2015) и «Новые истории Екатеринбурга» (2017). Участница Второй кураторской школы NEMOSKVA «Реанимация. Забота и критика в работе куратора» (2021).

Иван Новиков — художник, исследователь, куратор. Живет и работает в Москве и Хюэ, Вьетнам. Выпускник МГАХИ им. В. И. Сурикова и Института «База». Сооснователь artist-run space Центр «Красный» в Москве. Член редакционного совета «Художественного Журнала». Заведующий кафедрой живописи в Институте «База».

Анастасия Беспалова — художник, независимый куратор и графический дизайнер, работающий с изображением и его природой, а также гибридными взаимодействиями — то, как искусство вступает в отношения с наукой, медициной, массовой культурой и другими сферами. Участница Второй кураторской школы NEMOSKVA «Реанимация. Забота и критика в работе куратора» (2021). Живет и работает в Костроме.

Анна Журба — магистр искусств Goldsmiths, University of London, куратор Московского музея современного искусства, в прошлом сотрудник аукционного дома Phillips и программный директор Artwin Gallery. Входит в состав Экспертного совета Московской международной биеннале молодого искусства. Лауреат Специального приза премии «Инновация» 2015 года за специальный проект 5-ой Московской биеннале современного искусства «Восток. Деконструкция».

Модератор:

Александр Буренков — куратор программы «Практики кураторства», независимый куратор международных выставочных и образовательных проектов, арт-критик, преподаватель школ «Среда обучения» и факультета «Арт-менеджмент» бизнес-школы RMA. Лауреат государственной премии в сфере современного искусства «Инновация» (2017) в номинации «Куратор года».

Фото: Feminist Health Care Research Group, Being in Crises Together, 2020. Zine, Epilogue, Berlin Biennale 11. Photo: Inga Zimprich.
Зарегистрироваться

Необходима регистрация.

Регистрация (на сайте БВШД)

Выставка «Воссоединение»

7 сентября в пространстве U Contemporary в Центре современного искусства Винзавод Московская школа современного искусства и Британская высшая школа дизайна представят выставку «Воссоединение», где будут показаны работы выпускников программы «Современное искусство» разных лет.

Выставка «Воссоединение» предлагает поразмышлять о связи между образовательной институцией и ее выпускниками. Насколько важно для учебного заведения поддерживать отношения с бывшими студентами? Можно ли утверждать, что по умолчанию существует договоренность о взаимопонимании и поддержке? Или все же образование несет исключительно формальную функцию, дает всего лишь диплом и легитимизацию профессиональной деятельности?

На выставке будет представлено 8 проектов выпускников программы Дополнительного профессионального образования «Современное искусство», которые закончили обучение в 2018, 2019 и 2020 году, и у каждого автора, так или иначе, сохранились отсылки к индивидуальному взгляду и художественному языку, который они сформировали во время обучения на программе.

Сам по себе образовательный процесс состоит не только из получения знаний и умений, возможно, более ценной и важной составляющей этого опыта является взаимодействие между участниками процесса. То есть некий симбиоз, который происходит внутри коллектива, вероятно, и есть то самое главное, что происходит в процессе образования в институции. Но что происходит после окончания обучения? Исчезает ли эта «магия» бесследно или все же что-то остается после вручения дипломов и формального завершения учебы? Сохраняется ли единство коллектива, чувство общности и ощущение условной безопасности, комфорта и единения в стремлениях, целях и взглядах?

По словам куратора выставки Михаила Левина, параллель между социумом и институциональным образовательным опытом наталкивает на выводы, что стремление к сохранению связи является чем-то фактически естественным и, возможно, позволяет создать условный фундамент для выстраивания последующего личного и профессионального пути. Ощущение единения, некой неразрывной связи, которая дает импульс и поддержку вселяет уверенность и формирует стимул к развитию как институции, так и каждого индивидуума.

Вернисаж выставки состоится 6 сентября с 19:00 до 22:00.

Куратор: Михаил Левин.

Художники: Лена Аш, Лидия Жудро, Дарья Кургузова, Анастасия Литвинова, Виктория Мухонько, Александра Нестеркина, Ксения Попаренко, Александр Шамеев.

Адрес: U Contemporary, 4-й Сыромятнический пер., 1, стр. 6, Центр современного искусства Винзавод (вход рядом с кафе Цурцум).

Выставка «В поисках света»

Внутреннее развитие иногда воспринимается как путь к свету из тьмы. Но что такое свет? Какова его физическая, психическая и метафизическая природа? Отражения этих поисков можно найти в истории науки, религии, философии. Свет как метафора озарения и нового начала, к которым стремятся молодые авторы в попытках нащупать свой путь и индивидуальный художественный язык. И при этом свет - ключевой элемент в визуальном искусстве. Основа визуальности. Основа всего.

Определив цель поиска стоит определить и его способ. Ключевым приемом было выбрано «блуждание» — своеобразный процессуальный ход, характерный для художественной практики и исканий самобытности посредством экспериментов, исследований и сомнений. Этот подход невероятно важен для построения художественной деятельности и гуманитарных исследований, формирующих индивидуальный язык автора. В повседневности люди зачастую пребывают в поиске нового опыта, ощущений, переживаний, целей, профессий или даже смысла жизни и поиск, как таковой, становится неотъемлемой частью их существования. И, зачастую, не приводит к желаемому результату, а лишь заставляет задаться вопросами — то ли мы ищем и ради чего же мы это делаем?

Проект посвящен попыткам сформировать основы — начало пути художника и смену привычного восприятия. В процессе «блужданий» у молодых авторов происходит формирование понимания и мышления, возникает свой закодированный язык взаимодействия со зрителем и окружающей реальностью, происходит выбор определенного направления коммуникации через художественное высказывание.

«Мы никогда не должны забывать (история наук это доказывает), что каждый успех нашего познания ставит больше проблем, чем решает, и что в этой области каждая новая открытая земля позволяет предполагать о существовании ещё неизвестных нам необъятных континентов». (Луи де Бройль )

Свои работы представят:
Антанович Екатерина, Барулина Надежда, Валова Маргарита, Верина Дарья, Вишонкина Оксана, Демидова Ольга, Джусоева Алиса, Дзидзария Кристина, Долгина Екатерина, Махно Ольга, Межеритская Наталья, Нефедьева Екатерина, Патренина Татьяна, Преображенская Лариса, Роккель Артемий, Флейшер Ксения, Цугунян Эмма, Юркова Юлия.

Адрес: U Contemporary, 4-й Сыромятнический пер., 1, стр. 6, Центр современного искусства Винзавод (вход рядом с кафе Цурцум)

Аукцион «Ликвидация ценностей»

После успешного представления работ на выставке «Аксиология обновления» в рамках Винзавод.Open молодые художники проведут аукцион «Ликвидация ценностей» — распродажу произведений, участвующих в выставке, а также не представленных в экспозиции.
«Аксиология обновления» — тема выставки, на которой впервые были показаны произведения, участвующие в аукционе. Выставка посвящена переосмыслению традиций и культурных ценностей: времени, жизни, смерти, памяти, отношениям, радости, знанию, дому, природе, свободе и др. Так сколько же стоят наши ценности и сколько за них готовы заплатить коллекционеры?

Аукцион пройдет в последний день работы выставки и подобно правилам ликвидации ассортимента в торговых точках, цены на произведения будут снижены. Торги позволят коллекционерам приобрести работы молодых художников, успешно начавших свою художественную карьеру. Художественное образование Московской школы современного искусства и Британской школы дизайна - качественный старт художественного пути. Покупая такое ультра-молодое искусство каждый коллекционер может стать меценатом.

На аукционе будет представлено более 30 лотов, выполненных в различных медиа: живопись, графика, фотография, смешанная техника, инсталляции и даже перформанс. Стартовые цены от 4000 до 100 000 рублей.

Участники: Карина Аванесян, Дарья Азбиль, Катя Алисевич, Наталья Арзамасцева, Денис Будилов, Лена Бузуева, Тати Воронина, Настя Гончарова, Татьяна Дмитриева, Софья Заманская, Максим Иванов, Александр Ильяшенко, Лена Кольцова, Марина Кошлина, Марго Макарова, Светлана Пичугина, Ольга Попова, У Савич, Дарья Семенова, Роман Сойда, Яна Цихоцкая, Анастасия Шнепс-Шнеппе

Аукционист: Александр Бланарь, куратор, журналист.

Расписание мероприятия:

25 июля, воскресенье
18:00 сбор гостей, экскурсия по предаукционной выставке, диджей, коктейль.
19:00 начало аукциона
21:00 окончание мероприятия

Адрес: 4-й Сыромятнический пер., 1, стр. 6, Центр современного искусства Винзавод, Цех Белого

Регистрация (на сайте БВШД)

Выставка «Аксиология обновления» в рамках Винзавод.Open

Студенты MSCA и Британки покажут свои работы на выставке «Аксиология обновления» в рамках Винзавод.Open — проекта поддержки образовательных инициатив в сфере современного искусства. В проекте участвуют шесть институций в области современного художественного образования: Институт БАЗА, Московская школа современного искусства, Британская высшая школа дизайна, Институт современного искусства Иосифа Бакштейна, Школа современного искусства «Свободные мастерские» ММОМА, высшая онлайн-школа «Среда обучения» и Мастерская режиссуры игрового фильма С.С. Соловьева ВГИК.

«Аксиология обновления» — выставочный проект студентов второго курса программы дополнительного профессионального образования «Современного искусство» и студентов программ британского бакалавриата BA (Hons) Fine Art и BA (Hons) Photography.

Кураторы: Михаил Левин Карлос Веига ду Насименту Иан Чарльсворт Джон Лавелл.

Художники: Дарья Азбиль, Екатерина Алисевич, Елена Бузуева, Татьяна Воронина, Анастасия Гончарова, Татьяна Дмитриева, Виктория Карапетян, Елена Кольцова, Маргарита Макарова, Светлана Пичугина, Юлия Савич, Дарья Семенова, Карине Слепакова, Роман Сойда, Яна Цихоцкая, Наталья Арзамасцева, Ольга Попова, Марина Кошлина, Лиза Подольская, Софья Заманская, Мария Данилова, Валерий Бутаков, Александра Большакова, Анастасия Шнепс-Шнеппе, Денис Будилов, Максим Иванов, Александр Ильяшенко.

Адрес: 4-й Сыромятнический пер., 1, стр. 6

Вход свободный.

Выставка-интервенция «Мы жили так странно две тысячи лет»

15 мая студенты 2-го курса «Современное искусство» представят выставку-интервенцию «Мы жили так странно две тысячи лет» в постоянной экспозиции «Русский стиль. От историзма к модерну».

Это диалог молодых художников, выпускников курса «Современное искусство» MSCA с «русским стилем» – важнейшим явлением в декоративном искусстве конца XIX и начала XX века. Художники выступят интерпретаторами культурных традиций, обращаясь к проблематике русского стиля через цитирование и переосмысление мифов, образов, символов, предметов, литературы.

На выставке будут представлены работы, выполненные в различных медиа в том числе с применением искусственного интеллекта: скульптура, объекты, графика, видео, инсталляция, перформанс, саунд-арт, живые растения.

В процессе исследования и погружения в содержание экспозиции «Русский Стиль. От историзма к модерну» становится очевидно, что поиск приводит к пониманию, что связь с культурой, которая стала основной для формирования эстетики и элементов быта того времени, по большому счету утрачена, и, соответственно, можно наблюдать разрыв с современной социокультурной идентичностью.

Обращая внимание на один из важнейших периодов становления русского искусства, молодые художники переосмыслили идею развития не только культуры, но и общества в целом, и, как бы реконструируя прошлое, они строят новое будущее через диалог и интервенцию в экспозицию выставки «Русский Стиль. От историзма к модерну».

Произведения, представленные на выставке являются первой частью дипломных проектов студентов курса «Современное искусство». Вторая часть дипломных проектов будет показана в рамках Винзавод Open в середине июня.

Куратор: Михаил Левин

Список участников: Карина Аванесян, Даша Азбиль, Катя Алисевич-Никольская, Лена Бузуева, Татьяна Воронина (Tati Voronina), Анастасия Гончарова, Татьяна Дмитриева, Виктория Карапетян, Лена Кольцова, Марго Макарова, Светлана Пичугина, Уля Савич, Дарья Семёнова, Роман Сойда, Яна Цихоцкая.

Открытие состоится в рамках акции «Ночь музеев» 15 мая, с 12:00 до 21:00.
С 19:00 до 21:00 пройдет открытая защита дипломных проектов студентов.

Вход свободный.

3 марта - 9 апреля

Выставка Talent show

Moscow School of Contemporary Art и blip blip blip представят выставку Talent show в выставочном пространстве U contemporary в Центре современного искусства Винзавод.
Talent show — проект британского художника Гарри Мидли, в котором он подвергает сомнению понятие «талант» в контексте художественного образования. Концепция выставки отсылает к популярной культуре и распространенному формату конкурсов талантов, которые часто транслируют на телевидении. Шоу талантов обычно не проводятся в художественных школах, но как бы они выглядели?

Гарри Мидли сформировал жюри конкурса, в которое вошли студенты программы британского бакалавриата BA (Hons) Fine Art: Александра Большакова, Софья Заманская, Марина Кошлина и Ольга Попова. Регулярно встречаясь в Zoom, Гарри Мидли и жюри организовали конкурс. На самом конкурсе студенты демонстрировали свой «талант», пытаясь ответить на вопрос об этом понятии различными способами: демонстрируя гимнастические упражнения, разрезая бумагу длинными ножницами, исполняя оригинальные песни и ручные танцы, демонстрируя способность угадывать состав ткани, скручивая язык. Шоу поставило под сомнение и попыталось переопределить то, что принято считать талантом. Предполагалось выбрать одного победителя и показать его «талант» в рамках кураторского проекта blip blip blip в U Contemporary. По иронии судьбы жюри признало талант всех участников, а результатом стала выставка Talent show.

Шесть студентов с разных факультетов, включая графический дизайн, иллюстрацию и современное искусство, были отобраны не по достоинству их работы, а по их желанию и смелости принять участие в конкурсе.

На выставке Talent show будут представлены работы студентов и две новые видеоработы, созданные Гарри Мидли и жюри конкурса: документация самого шоу талантов и запись заключительного заседания жюри.

Участники: Назира Берикбай, Алексей Бобров, Мария Истомина, Валерия Милованова, Альбина Нежемединова, Дора Сидоренко.

Вход свободный. Время работы выставки: 14:00 - 20:00

Студенты BA (Hons) Photography открывают виртуальную выставку современной фотографии

Работы парной выставки студентов программы BA (Hons) Photography Александра Ильяшенко и Натальи Арзамасцевой будут представлены на экспозиции в виртуальном пространстве с 29 апреля по 29 июня 2020 года.

На выставке V I R T U A L R E A L будут представлены новые работы художников, созданные в 2020 году в рамках образовательной программы по изучению современной и fine art фотографии в БВШД. Студенты выступают не только как авторы работ, но также являются кураторами выставки и полностью отвечают за концепцию и реализацию проекта. За создание виртуального пространства отвечала компания Art Sound Light Interactive в лице ее со-основателя Андрея Иванова.

Организовав выставку в виртуальном пространстве и поместив в него свои работы, художники невольно рефлексируют о роли виртуальности в жизни современного человека, а также о возникающем диалоге между реальным и виртуальным. Смена контекста и переход от реального выставочного пространства к интерфейсу компьютерной игры способствует совершенно новому опыту как для зрителей, так и для самих художников.

«Задача организовать выставку появилась еще до начала карантина как часть нашей учебной программы. Изначально мы думали об офлайн-выставке, но нам пришлось изменить свои планы. Ограничения из-за пандемии заставили многие художественные организации перейти в онлайн. Для нас важным моментом является опыт зрителя от взаимодействия с нашими работами, поэтому мы смотрели в сторону более иммерсивных проектов. В итоге мы выбрали формат виртуального пространства, построенного с помощью игрового движка, и адаптировали наши работы под него. Важной частью процесса стала наша коллаборация с IT-разработчиком, а также командная работа над организацией выставки», — рассказывает Наталья Арзамасцева.

«Сейчас идеальное время для того, чтобы исследовать то, что дают нам новые медиа. Организуя выставку в виртуальном пространстве и публикуя ее в открытом доступе, мы не только находим способ выставить наши работы, но и участвуем в дискурсе современной фотографии. Само пространство работает как высказывание, которое мы исследуем и осмысливаем наравне с нашими работами. Если же посмотреть в более широком контексте, то такой формат балансирует между доступностью технологии и интересом для зрителя», — отмечает Александр Ильяшенко.

Работа Натальи Арзамасцевой «Семь портретов меня» исследует отношения между фотографией и автобиографической памятью человека. Идея проекта родилась из размышлений художницы о том, насколько собственные воспоминания о ее детстве сформированы за счет фото- и видеоматериалов семейного архива. Художница использует снимки, сделанные отцом в ее раннем детстве. В процессе работы художница манипулирует с отсканированными фотографиями, которые затем были напечатаны цифровым способом. Каждый отпечаток был обработан химическим раствором, который способствовал выходу пигментов из слоев хромогенной фотобумаги. Процесс разрушения изображения затем фиксировался через контактный отпечаток на белый лист акварельной бумаги. Используя возможности виртуального пространства, художница представляет каждый снимок как инсталляцию, состоящую из двух частей — непосредственно фотографии, в большом формате 2х2 метра, и отпечатка с краской, разделенного на три слоя, чтобы подчеркнуть рифму слоями цветной фотобумаги. Таким образом, эксперимент с физическими свойствами фотографических материалов становится метафорой тесной взаимосвязи памяти и фотографии.

В инсталляции Александра Ильяшенко «Это худшее, что я когда-либо видел» художник рассматривает относительную природу понятия шума в контексте катастрофы дирижабля Хинденбург 1937 года через главные массовые медиа того времени: документальную фотографию и радиовещание. В основу работы легла серия из восьми любительских снимков китайского фотографа Фу Чу, которые не были признаны газетами из-за несоответствия кодексу журналиста. Они представляли трагедию эмоционально: на фотографиях высокий контраст, зерно и длинная выдержка. Сообщество журналистов воспринимало это как «шум», мешающий беспристрастному восприятию ситуации. В то же время, в каноническом репортаже Герберта Моррисона присутствовали неразборчивые слова, плач и крик. Тем не менее, он стал показательным в истории репортажа и позже послужили примером для журналистов. При помощи фототелеграфии, художник переводит серию фотографий в звуковой сигнал, подмешивая к нему деконструированный репортаж Герберта.

Открытие выставки состоится 29 апреля в 19:00. В течение двух дней, 29 и 30 апреля, все желающие смогут лично пообщаться с художниками на онлайн-встрече, обсудить выставку и задать вопросы. Вся информация о мероприятии публикуется в событии на Facebook, а посмотреть выставку можно будет на сайте virtualrealexhibition.com.

Открыт набор на новую программу «Международные стратегии в арт-бизнесе»

MSCA и Британская высшая школа дизайна запускают новую программу «Международные стратегии в арт-бизнесе», которая готовит арт-менеджеров для создания и управления локальными и международными проектами на стыке искусства, культуры и бизнеса. Обучение начнется осенью 2020, а первые собеседования на программу уже в июне.

Куратор программы, эксперт в области взаимодействия бизнеса и культуры, руководитель направления креативных партнерств Grayling Анастасия Елаева и международный со-куратор, основатель креативной студии студии iPureland (Нью-Йорк) Анна Евтюгина рассказали, какие задачи будет решать программа и чему научатся студенты.

«Создавая программу, мы стремились подготовить и дать нашим студентам:

понимание лучших российских и международных практик в арт-бизнесе;
знания в области бренд-менеджмента, маркетинга, коммуникаций, фандрайзинга и дизайн-мышления, а также того, как лучшие наработки в этих дисциплинах можно применить для арт-проектов;
обучение в творческой среде: среди художников и кураторов, которые также обучаются в Школе. Это поможет сформировать связи, важные для будущего развития наших выпускников, уже на этапе обучения.

Программа готовит арт-лидеров с международным видением. Именно поэтому мы предусматриваем лекции о международной ярмарочной стратегии для галерей, развитии карьеры художника на глобальном уровне, а также уделяем внимание коллаборациям между галереями в пределах одного кластера и из разных стран.

Мы также будем рассматривать взаимодействие сферы искусства и бизнеса: какую роль искусство может играть в деятельности компаний — от программ корпоративной социальной ответственности до маркетинговых инициатив и проектов, направленных на вовлечение сотрудников. Понимая, какие задачи искусство помогает решать бизнесу, наши выпускники смогут эффективнее выстраивать стратегию по фандрайзингу и партнерствам для своих текущих или будущих проектов.

Кроме того, мы думаем о тех насущных проблемах, которые характерны для российской среды современного искусства: недостаточное присутствие российского современного искусства на международном уровне, отсутствие культуры приобретения искусства и коллекционирования, прозрачность арт-рынка и разобщенность между различными участниками арт-среды. Эти вопросы мы планируем проанализировать в рабочих группах в рамках арт-бизнес лабораторий.

Еще одна важная концепция для нашей программы — это понимание сути самого арт-бизнеса. С одной стороны, участники арт-рынка (такие как галереи, арт-ярмарки, аукционные дома) должны быть коммерчески успешными. С другой стороны, важно помнить и об их функции в сфере образования и производстве культуры (culture production). С нашими студентами мы будем говорить о том, насколько и как эти две функции можно совмещать, создавая смыслы и делая эти процессы устойчивыми».

Для всех, кто пройдёт собеседование с куратором программы в первом потоке (июнь 2020) и примет решение о заключении договора на программу действует скидка 5% на первый платеж. Записаться на собеседование можно на сайте БВШД.

Подробнее

Культурное производство и международное сотрудничество

Первая встреча в рамках открытого лектория Moscow School of Contemporary Art будет полезна как для художников, так и для всех, кто планирует или уже работает в сфере арт-менеджмента.

Спикер: Анна Арутюнова, исследователь арт-рынка, директор Швейцарского совета по культуре Про Гельвеция в России

Модератор встречи: Михаил Левин, директор Moscow School of Contemporary Art

На открытой лекции спикеры обсудят:

- Роль арт-менеджера в развитии области современного искусства и специфика его работы в России. Какие проблемы и вызовы существуют сегодня.

- Сотрудничество художника и арт-менеджера. Как зарабатывать на искусстве. Как художнику стать активным участником рынка искусства, начать сотрудничество с галереями, ярмарками и аукционами

- Что такое арт-резиденции и зачем они нужны художникам, кураторам и арт-институциям. Опыт культурного обмена и погружение в международный контекст

О спикерах:

Анна Арутюнова возглавляет московское отделение Швейцарского совета по культуре Про Гельвеция, который поддерживает сотрудничество российских и швейцарских художников, артистов и кураторов, организаций и менеджеров, работающих в сфере современного искусства и культуры. Также Анна является преподавателем и куратором интенсивного курса «Культурное производство и международное сотрудничество» MSCA и БВШД, который пройдет с 9–12 июля.

Михаил Левин – директор Moscow School of Contemporary Art, куратор программы «Современное искусство» MSCA и БВШД, художник.

Регистрация (на сайте БВШД)

Проектный менеджмент в современном искусстве. Для чего нужны масштабные культурные проекты

На встрече спикеры обсудят, как организованы и какую роль играют масштабные культурные проекты в России и мире.

Для чего нужны многочисленные биеннале современного искусства и как они меняют восприятие культуры в целом
Как создаются масштабные проекты в сфере искусства и в формате крупнейших форумов и фестивалей
Какую роль играет менеджер в создание подобных проектов и какие навыки необходимы для успешной работы в данной области
Что можно ожидать в ближайшем будущем от культурного производства и какие изменения возможно нас ждут

О спикерах:

Алиса Прудникова – комиссар и художественный руководитель Уральской индустриальной биеннале современного искусства. В роли куратора участвовала в выставках и фестивалях современного искусства в Москве и регионах России, а также Берлине, Нью-Йорке, Хельсинки и др. Эксперт (2006-2012, 2018) и член жюри (2009, 2011) первой российской национальной премии в области современного искусства «Инновация», член жюри Премии С. Курехина (2015, 2016). Лауреат премий: Инновация (2015, 2018), Серебряный лучник – Урал (2014, 2015), Кариатида (2013). Куратор создания федерального проекта Дом новой культуры (ДНК) в Первоуральске (Россия). Алиса также является куратором интенсивного курса «Проектный менеджмент в современном искусстве», который пройдет на базе MSCA и БВШД с 13 по 16 августа.

Михаил Левин – директор Moscow School of Contemporary Art, куратор программы «Современное искусство» MSCA и БВШД, художник.

Для получения ссылки на онлайн-трансляцию встречи необходимо зарегистрироваться:

Отправляя заявку, вы соглашаетесь с политикой конфиденциальности

Центр современного искусства «Винзавод», 4-й Сыромятнический переулок, 1/8 стр. 6

Pre-opening выставочного пространства U Contemporary

На выставке «Путь к началу» будут показаны работы, выполненные в различных медиа и являющиеся результатом размышлений студентов о текущем состоянии социума и его будущем.

В процессе работы над проектами авторы рефлексировали на современное состояние социума во времени, в котором мы живем. Размышляя о текущей ситуации, когда преобладает ощущение неопределенности, тревоги и неясности относительно будущего развития общества, именно через художественно высказывание возможно задать волнующие вопросы и в диалоге со зрителем попытаться понять, как действовать дальше.

Выставка «Путь к началу» — попытка найти фундамент, начало пути художника и изменение границ, формирование понимания и мышления, некий закодированный язык взаимодействия со зрителем, окружающей реальностью и выбор определенного направления коммуникации.

Участники выставки: Татьяна Дмитриева, Уля Савич, Василиса Лебедева, Елена Кольцова, Карина Слепакова, Роман Сойда, Дарья Семенова, Маргарита Макарова, Дарья Азбиль, Екатерина Алисевич, Елена Бузуева, Алиса Бунькова, Яна Циховская, Светлана Пичугина, Линда Козлова, Анастасия Гончарова, Виктория Карапетян, Татьяна Воронина.

Регистрация обязательна, вход по спискам. Пожалуйста, помните про средства индивидуальной защиты. Приходите в масках и перчатках.

Дата официального открытия и программа мероприятий будут анонсированы в ближайшее время. Следите за новостями!

Регистрация (на сайте БВШД)

Онлайн-мероприятие

Лекция и открытая дискуссия «Рецепция перформанса»: как самая актуальная форма художественной практики в современном искусстве

Перформанс — относительно молодой вид искусства и его проблематикой и исследованием начали заниматься не так давно. Однако он уже заслужил особое внимание и важность в актуальной художественной практике за последние годы. Проекты, сделанные в перформативном формате, были удостоены особого внимания на международной арене современного искусства.

В 2020 году в России была издана первая книга российского автора Марии Антонян, посвященная перформансу.

Приглашаем вас на лекцию и открытую дискуссию директора Московской школы современного искусства Михаила Левина и Марии Антонян, на которой они:

- поговорят о возникновение и актуальном состоянии перформанса сегодня и почему именно данная форма в современном искусстве одна из самых востребованный на данный момент
- поговорят о книге Марии Антонян «Рецепция перформанса»;
- поговорят о теме восприятия и развития области перформанса в России и в глобальной контексте;
- расскажут про курс «Искусство перформанса: теория и практика», куратором которого является Мария.

Мероприятие пройдет на территории БВШД в аудитории 3/4.16 — для студентов вход свободный.

Для внешних слушателей мы проведем онлайн-трансляцию. Перед началом трансляции мы отправим вам ссылку для подключения.

Регистрация (на сайте БВШД)

Онлайн-мероприятие

Международный форум Art Moscow Online

28 января состоится международный форум Art Moscow Online — виртуальное мероприятие, в рамках которого ведущие представители мирового арт-сообщества обсудят актуальные течения в искусстве, дизайне и архитектуре, которые будут определять повестку 2021 года.

«Масштабные изменения всех направлений деятельности человека, причиной которых стала пандемия, трансформировали привычные способы взаимодействия и коммуникации, в том числе и в сфере искусства. Онлайн-событие позволит сократить дистанцию со зрителем и сплотить арт-сообщество», — рассказали организаторы форума.

На мероприятии выступят более 70 зарубежных и российских экспертов арт-рынка, художников, коллекционеров, галеристов и кураторов. В числе спикеров: директор ГМИИ имени Пушкина Марина Лошак, гендиректор фонда V-A-C Тереза Мавика, заведующий отделом современного искусства Эрмитажа и руководитель проекта «Эрмитаж 20/21» Дмитрий Озерков, глава аукционного дома Sotheby's в России и СНГ Ирина Степанова, учредитель музея «Собрание» Давид Якобашвили, главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов, художник Александр Пономарев и арт-дуэт Recycle Group. Среди зарубежных хедлайнеров — директор Christie's по Европе, Ближнему Востоку и Индии Бертольд Мюллер, директор галереи Уффици Айке Шмидт, художники Чжан Хуань и Дэвид Датуна, арт-дилер и куратор Симон де Пюри.

Главной темой форума станет изменение консервативных подходов арт-рынка, которое уже повлияло на развитие онлайн-аукционов и ярмарок, трансформацию языка искусства и появление коллабораций с брендами.

Полная программа доступна на сайте.

Регистрация (на сайте мероприятия)

Онлайн-мероприятие

Наследие ВХУТЕМАСа. Британские курсы Foundation и их связь с авангардными образовательными практиками первой половины ХХ века

Возможно, одним из наследий ВХУТЕМАСа как радикальной и экспериментальной художественной школы стало возникновение курсов Foundation в Великобритании. В 20-е годы ВХУТЕМАС и Баухаус обменивались идеями и преподавателями, и курс Foundation рассматривался как жизненно важная часть разработанного ими нового метода обучения.

Курсы Foundation в Великобритании выросли из «Базового курса», разработанного Гарри Туброном в Leeds College of Art и Виктором Пэсмором и Ричардом Гамильтоном в Kings College в Ньюкасле. Благодаря этим разработкам появился новый вводный курс по искусству, дизайну и архитектуре, на который непосредственно повлиял Баухаус, а косвенно — ВХУТЕМАС.

Участники дискуссии поделятся своими воспоминаниями о работе и учебе на курсе Foundation в Великобритании, обсудят, как он трансформировался из «Базового курса». Но в центре внимания будет подтверждение гипотезы о связи британского художественного образования и ВХУТЕМАСа.

В 2020 году исполняется 100 лет со дня рождения ВХУТЕМАСа. Две недели назад открылась выставка «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда» в Музее Москвы. Выставка описывает роль высших художественно-технических мастерских как основоположников современного искусства, дизайна, архитектуры, текстиля и полиграфии. На выставке представлены художественные, графические, скульптурные, архитектурные проекты, фарфор, текстиль, мебель, произведения искусства и графический дизайн, созданные студентами ВХУТЕМАСа, отражающие художественные эксперименты периода авангарда.

Участники дискуссии:

Джеффри Тисдейл — британский художник, бывший руководитель курса бакалавриата по Fine Art и руководитель исследовательского отдела Художественного колледжа Лидса. Учился в Leeds College of Art у Гарри Туброна с 1960 по 1964 год на «Базовом курсе», который позже стал курсом Foundation.

Шон Кэй — британский куратор и художник, руководитель курса Foundation Art & Design в БВШД. Преподавал в рамках курса Foundation в Leeds College of Art в течение 23 лет с 1994 по 2017 год и был руководителем курса с 2012 по 2017 год.

Дуг Боуэн — британский художник и руководитель направления коммуникационного дизайна на курсе Foundation Art & Design в БВШД. Закончил курс Foundation в Leeds College of Art в 2010 году, а затем продолжил обучение в Leeds Beckett University.

Дарья Сорокина — искусствовед, педагог и экскурсовод, работает в Bauhaus Dessau Foundation. Один из со-кураторов выставки «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда».

Алена Сокольникова — независимый куратор, исследователь и преподаватель истории дизайна, основатель проекта «Дизайн в деталях». Один из со-кураторов выставки «ВХУТЕМАС 100. Школа авангарда».

Ксения Ефимова — бывшая студентка программы Foundation Art & Design в БВШД.

Модератор: Михаил Левин — директор Московской школы современного искусства.

Необходима регистрация. Перед началом онлайн-трансляции мы отправим вам ссылку для подключения.

Регистрация (на сайте БВШД)

Онлайн-мероприятия

Public Talk в рамках программы «Международные стратегии в арт-бизнесе» в Moscow School of Contemporary Art

Кураторы программы «Международные стратегии в арт-бизнесе» Анастасия Елаева и Анна Евтюгина представляют дискуссию о лучших практиках в организации арт-резиденций, а также о том, как художники могут получить максимум от участия в таких программах.

Анна Евтюгина в настоящее время курирует программу арт-резиденции AES+F в International Studio and Curatorial Program в Нью-Йорке, которую проходит российская художница Устина Яковлева и Полина Канис. Анастасия Елаева является членом Попечительского Совета международного фонда MOCT, благодаря которому в сотрудничестве с ЦСИ Винзавод художница Лиза Штормит получила возможность стать участницей арт-резиденции ACME в Лондоне.

Кураторы MSCA решили объединить на дискуссии Москву, Лондон и Нью-Йорк и поговорить с директором арт-резиденции ISCP в Нью-Йорке Сюзан Хэпгуд, директором арт-резиденции ACME в Лондоне Полом Бейли и российскими художницами Устиной Яковлевой и Лизой Штормит о том:

- Какую роль арт-резиденции играют в профессиональном становлении художника?
- Что определяет успех и качество арт-резиденции и что стоит учитывать создателям таких институций?
- Как с арт-резиденциями могут сотрудничать другие арт-институции, бренды и уже состоявшиеся художники?
- Что от арт-резиденций ждут художники?
- Как попасть в качественную международную арт-резиденцию и не потерять время зря, даже если этот опыт выпал на время пандемии?

Необходима регистрация. Перед началом трансляции мы отправим вам ссылку для подключения.

Регистрация (на сайте БВШД)

Мероприятие пройдет онлайн

Открытый просмотр на программе «Современное искусство»

Студенты первого года обучения программы «Современное искусство» представят новые проекты, созданные с помощью различных инструментов, освоенных за время учебы: видео, инсталляции, объекты и скульптуры, фото и живопись, документация перформансов и графические работы.

Проекты объединены общей темой «В поиске начала». Мероприятие будет транслироваться онлайн, зрители смогут увидеть 21 проект, а также услышать авторские презентации и рассказ о процессе работы.

Чтобы получить ссылку на онлайн-трансляцию, необходимо зарегистрироваться. Ссылка будет отправлена вам на email в день мероприятия.

В поиске начала // кураторский текст

Что есть начало? Начало пути? Нового периода в жизни? Или начало нового Я? Что мотивирует нас начинать с начала и идти на смелые шаги, кардинально менять нашу жизнь? Что заставляет нас начать видеть мир по другому?

Все эти вопросы могут быть актуальны для многих, и зачастую мы ищем на них ответы.

Поиск является фундаментальным элементом художественной практики и методом исследовательской деятельности, которая способствует формированию индивидуальности автора. В повседневной жизни мы также постоянно находимся в поиске, в попытке найти что-то новое, интересное, необычное для себя. Мы часто ищем впечатлений и опыта, новый путь в жизни и это все является поиском себя и своего места в этом мире.

Для начинающего художника крайне важно нащупать некие начальные точки в системе координат, от которых он дальше будет отталкиваться в рамках своей творческой деятельности. Что станет отправной точкой для формирования собственной художественной самобытности? Будет ли это тема, метод или какой-то особый материал? Совокупность всего перечисленного или отправная точка в каких-то отсылках, связанных с предыдущим жизненным опытом, событием или периодом, который и подтолкнет на поиск нового начала.

Тема может быть интерпретирована как попытка найти основы, как начало пути художника и изменение границ, как формирование понимания и мышления, как некий закодированный язык взаимодействия со зрителем и окружающей реальностью, как выбор определенного направления коммуникации.

Регистрация (на сайте БВШД)

Дедлайн подачи заявок: 22 июля

Open call для культурных институций и коммерческих брендов

Участники могут предложить свои кейсы для проработки в рабочих группах на курсе «Партнерство культуры и бизнеса: стратегия, маркетинг, фандрайзинг». Над проектами будут работать студенты и преподаватели — представители сферы искусства и бизнеса. Подать электронную заявку можно с 13 по 22 июля.

Интенсивный курс проходит на базе Британской высшей школы дизайна и Moscow School of Contemporary Art и рассматривает культурные партнерства как с точки зрения бренда, так и арт-организации. Студенты изучают стратегический подход к сотрудничеству, рассматривают самые распространенные форматы на основе международных и российских примеров, а также разбирают, каким образом можно оценить эффективность такого проекта. В качестве лекторов в курсе участвуют представители ведущих брендов и культурных организаций (Cartier, BMW Group, Третьяковская галерея, Музей русского импрессионизма, МХАТ им Горького и других).

В новом потоке курса, который пройдет в конце июля, свои задачи для проработки могут предложить любые бренды, культурные институции, музыкальные, театральные, междисциплинарные арт-инициативы и другие. Четыре участника, которые пройдут отбор, смогут бесплатно получить качественный анализ, экспертный взгляд на свою задачу и возможные пути ее решения.

Анастасия Елаева, куратор программы, руководитель направления креативных партнерств Grayling, исследователь взаимодействия бизнеса и культуры:

«Мы часто слышим, что искусство и культура важны, они делают человека человеком. Но так же часто именно на эту сферу в трудные времена в первую очередь сокращаются бюджеты брендов. Одна из целей этого курса — это поиск и обсуждение инструментов для того, чтобы как представители культурных организаций, так и сотрудники внутри компаний могли доказать, что инвестиции в искусство имеют смысл и рассказать о ценности конкретных проектов. Проведение интенсива в текущих реалиях дает нам возможность переосмыслить партнерства и вывести их на новый уровень с точки зрения постановки целей, выбора форматов и измерения эффективности. Впервые мы решили выбрать проекты для командной работы с помощью open-call, чтобы оказать экспертную поддержку достойным инициативам, которые в этом нуждаются».

Подать заявку на участие можно до 22 июля.

Центр современного искусства «Винзавод», Цех Красного

Выставка «Децентрализация»

Размышляя о современном человеке, находящемся в поиске себя и своего места в жизни, в уме всё чаще возникает концепция фрагментированности индивидуума, расщепления человеческой личности. Это касается не только индивидуума, но и общества в целом. И сейчас мы видим явные признаки разобщенности, тенденции к распаду и дроблению ранее образованных сущностей.

Довольно точной метафорой происходящего является понятие «децентрализация» — процесс перераспределения, рассеивания функций, сил, власти, людей или вещей от центрального местоположения или управляющего механизма.

И размышляя дальше, мы приходим к понятию «локализм», как продолжению и часто конечной точке децентрализации. То есть стремление к индивидуализации человека, социума, региона, любой единицы — довольно характерная черта нашего времени, как новый цикл, в который вступает человечество в попытках найти идеи для дальнейшего развития. И основной слом, который можно увидеть — в переходе от центростремительного пути развития, к центробежному, от глобализма к локализму.

Проект посвящен поиску возможных ответов на вопросы, связанных с современным состоянием общества и мира в целом.

В работах начинающие художники пытаются затронуть вопросы личной и общественной идентичности, течения времени и временных последовательностей, нарастающей разобщенности и тенденций к дроблению и распаду, цикличности и возвращению к локальным явлениям, признаков замещения смыслов, возникновения все новых симулякров и тому подобного.

Участники выставки: Виктория Ананьева, Христина Донцова, Рената Кукрякова, Анастасия Литвинова, Наталья Локшина, Ирина Никулина, Игорь Север, Ксения Попаренко, Светлана Самойлова, Елена Смирнова, Анна Тюшкевич, Александр Шамеев.

Даты: 28 августа — 12 сентября

Мероприятия:

27 августа, четверг, 19:00 — 22:00 — Вернисаж и кураторская экскурсия.

29 августа, суббота, 15:00 — 18:00 — Открытая защита дипломных проектов.

12 сентября, суббота, 18:00 — 21:00 — финисаж выставки, кураторская экскурсия.

Вход на выставку по билетам

Контакты
8 495 640 30 22
info@msca.ru

Мы находимся:
105120, Россия, Москва, ул. Нижняя Сыромятническая, 10, стр. 3 Центр дизайна Artplay