30 СОВРЕМЕННЫХ ХУДОЖНИКОВ
Материал о главных фигурах арт-сцены последнего столетия
30 СОВРЕМЕННЫХ ХУДОЖНИКОВ
Материал о главных фигурах арт-сцены последнего столетия
Искусство — это способ познания мира, специфика которого состоит в отражении действительности посредством художественных образов. Его основная цель — вызвать у зрителя эмоции. Современное искусство никого не оставляет равнодушным, оно возникает реактивно и использует самые эпатажные формы.
В этой статье рассказываем о тридцати главных фигурах арт-сцены последнего столетия, обращающихся к необычным и во многом провокативным видам визуального творчества.
В этой статье рассказываем о тридцати главных фигурах арт-сцены последнего столетия, обращающихся к необычным и во многом провокативным видам визуального творчества.
1. Дэмиен Херст
Дэмиен Херст — английский автор, один из лучших современных представителей группы «молодых британских художников». Несмотря на концептуальный характер его произведений, трудно отрицать нарочито скандальную природу многих работ. Херст прибегает в своем творчестве к использованию трупов животных, что, в свою очередь, вызывает протесты природозащитных организаций.
В отличие от скульптур и инсталляций, пронизанных темой смерти и разложения, живопись Дэмиена Херста, напротив, кажется жизнеутверждающей. Серия работ «Пятна» — геометрическая абстракция из цветных кружков, как правило одинакового размера, не повторяющихся по цвету и упорядоченных в решетку на равном расстоянии друг от друга, — фирменный знак художника.
Для названий большинства необычных картин этой серии автор использовал научные фармацевтические термины различных отравляющих, наркотических или возбуждающих нервную систему веществ: Aprotinin, Butyrophenone, Ceftriaxone, Diamorphine, Ergocalciferol, Minoxidil, Oxalacetic Acid, Vitamin C, Zomepirac и прочие. Каждая композиция имитирует молекулярную структуру потенциально смертельного препарата, потому у цикла есть второе название — «Фармацевтические картины». Концептуальное современное искусство Дэмиена Херста сделало его модным художником и знаковым деятелем мировой арт-сцены.
В отличие от скульптур и инсталляций, пронизанных темой смерти и разложения, живопись Дэмиена Херста, напротив, кажется жизнеутверждающей. Серия работ «Пятна» — геометрическая абстракция из цветных кружков, как правило одинакового размера, не повторяющихся по цвету и упорядоченных в решетку на равном расстоянии друг от друга, — фирменный знак художника.
Для названий большинства необычных картин этой серии автор использовал научные фармацевтические термины различных отравляющих, наркотических или возбуждающих нервную систему веществ: Aprotinin, Butyrophenone, Ceftriaxone, Diamorphine, Ergocalciferol, Minoxidil, Oxalacetic Acid, Vitamin C, Zomepirac и прочие. Каждая композиция имитирует молекулярную структуру потенциально смертельного препарата, потому у цикла есть второе название — «Фармацевтические картины». Концептуальное современное искусство Дэмиена Херста сделало его модным художником и знаковым деятелем мировой арт-сцены.
Дэмиен Херст, «Гептен-1», 2000-е © artchive.ru
2. Бэнкси
Бэнкси — псевдоним анонимного британского андеграундного художника и политического активиста, работающего в рамках стрит-арта с 1990-х годов. Бэнкси получил международное признание благодаря граффити на острые политические и социальные темы.
Работы художника в очередной раз запустили дискуссию, является ли такой современный арт искусством или вандализмом. По приказу властей, а также из-за многочисленных жалоб местных жителей, недовольных появлением граффити на стенах их собственности, многие граффити Бэнкси были уничтожены. Но не во всех городах: часто муниципалитеты, наоборот, сохраняли их как достопримечательность.
Одна их самых известных и дорогих работ Бэнкси — «Любовь в мусорном баке». Изначально эта картина современного художника называлась как «Девочка с воздушным шаром» и была авторской копией одноименного граффити 2002 года. Она была продана на аукционе Sotheby’s, сразу после чего прямо на глазах у изумленной публики была частично разрезана встроенным в раму шредером. Этот перфоманс прочно вписался в историю современного искусства, а работу в ее новом виде переименовали по требованию автора.
Работы художника в очередной раз запустили дискуссию, является ли такой современный арт искусством или вандализмом. По приказу властей, а также из-за многочисленных жалоб местных жителей, недовольных появлением граффити на стенах их собственности, многие граффити Бэнкси были уничтожены. Но не во всех городах: часто муниципалитеты, наоборот, сохраняли их как достопримечательность.
Одна их самых известных и дорогих работ Бэнкси — «Любовь в мусорном баке». Изначально эта картина современного художника называлась как «Девочка с воздушным шаром» и была авторской копией одноименного граффити 2002 года. Она была продана на аукционе Sotheby’s, сразу после чего прямо на глазах у изумленной публики была частично разрезана встроенным в раму шредером. Этот перфоманс прочно вписался в историю современного искусства, а работу в ее новом виде переименовали по требованию автора.
Бэнкси, «Любовь в мусорном ведре», 2018 © sothebys.com
3. Марина Абрамович
Марина Абрамович — главная фигура мирового перформативного искусства. В выступлениях она осознанно подвергает свое тело опасности, ставит эксперименты на грани жизни и смерти, взаимодействует с аудиторией, исследуя таким образом физические пределы человеческого организма.
Один из самых ярких и впечатляющих перформансов художницы «В присутствии художника» — о нем снят документальный фильм Мэттью Эйкерса — с 14 марта 2010 года проходил ежедневно на протяжении трех месяцев в Нью-Йоркском музее современного искусства МоМА. Правила были простыми: каждый зритель мог просидеть напротив Марины Абрамович столько, сколько хотел. Главным условием являлся непрерывный зрительный контакт с художницей. Позднее некоторые ученые из России и Америки заинтересовались перформансом: они хотели изучить, что происходит с мозгом в момент такой невербальной коммуникации двух незнакомцев. Выяснилось, что мозговые волны синхронизируются, создавая идентичные паттерны. Перформанс длился 736 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям. Персональную выставку Абрамович в художественном музее MoMA посетило 750 000 человек.
Один из самых ярких и впечатляющих перформансов художницы «В присутствии художника» — о нем снят документальный фильм Мэттью Эйкерса — с 14 марта 2010 года проходил ежедневно на протяжении трех месяцев в Нью-Йоркском музее современного искусства МоМА. Правила были простыми: каждый зритель мог просидеть напротив Марины Абрамович столько, сколько хотел. Главным условием являлся непрерывный зрительный контакт с художницей. Позднее некоторые ученые из России и Америки заинтересовались перформансом: они хотели изучить, что происходит с мозгом в момент такой невербальной коммуникации двух незнакомцев. Выяснилось, что мозговые волны синхронизируются, создавая идентичные паттерны. Перформанс длился 736 часов и 30 минут, художница посмотрела в глаза 1500 зрителям. Персональную выставку Абрамович в художественном музее MoMA посетило 750 000 человек.
Марина Абрамович, перформанс «В присутствии художника», 2010 © theartnewspaper.ru
4. Жан-Мишель Баския
Жан-Мишель Баския — американский автор, начавший свою карьеру со стрит-арт изображений. Стал одним из первых темнокожих популярных художников, добившимся признания публики. Его живопись создана в рамках неоэкспрессионизма, она одновременно имеет черты граффити и наскальной живописи. На полотнах он соединял классические образы из истории искусства с героями и атрибутами афроамериканской культуры, а также открыто критиковал империализм, расизм и неравенство, боролся за толерантность.
Одна из работ Баския «Без названия», написанная в 1982 году, в настоящее время занимает восьмую строчку в списке самых дорогих картин мира, проданных на открытых торгах.
Одна из работ Баския «Без названия», написанная в 1982 году, в настоящее время занимает восьмую строчку в списке самых дорогих картин мира, проданных на открытых торгах.
Жан-Мишель Баския, «Без названия», 1982 © artchive.ru
5. Маурицио Каттелан
Маурицио Каттелан — современный итальянский художник, работающий в жанре инсталляции. Исследователи искусства причисляют его произведения к концептуальной скульптуре, однако пресса часто обвиняет художника за китчевость. Его работы — своего рода провокация, они показывают, как можно делать искусство из ничего.
Одно из самых необычных произведений автора — шедевр постмодернистской культуры под названием Comedian — представляет собой свежий банан, прикрепленный сантехнической клейкой лентой к стене. Произведение, удивляющее своей простотой и примитивностью, было создано в трех экземплярах и имело сертификат подлинности. После продажи одной из работ коллекционер прямо на выставке съел банан, уничтожив таким образом произведение, и назвал свое действие перфомансом Hungry Artist.
Одно из самых необычных произведений автора — шедевр постмодернистской культуры под названием Comedian — представляет собой свежий банан, прикрепленный сантехнической клейкой лентой к стене. Произведение, удивляющее своей простотой и примитивностью, было создано в трех экземплярах и имело сертификат подлинности. После продажи одной из работ коллекционер прямо на выставке съел банан, уничтожив таким образом произведение, и назвал свое действие перфомансом Hungry Artist.
Маурицио Каттелан, Comedian, 2019 © news.artnet.com
6. Сальваторе Гарау
Сальваторе Гарау — современный итальянский художник-авангардист. Он часто затрагивает такие острые вопросы, как защита окружающей среды, культура и социальная этика.
Одна из самых необычных работ Гарау называется «Я есть». Она является невидимой скульптурой, которую ему удалось продать за 15 тысяч евро. По убеждению автора, пустота есть не что иное, как пространство, заполненное энергией. Гарау заявил, что произведение искусства существует, хотя его и невозможно увидеть глазами. В качестве доказательства по приобретении скульптуры покупателю вручили сертификат, который дает право собственности, а также инструкцию по уходу и хранению.
Одна из самых необычных работ Гарау называется «Я есть». Она является невидимой скульптурой, которую ему удалось продать за 15 тысяч евро. По убеждению автора, пустота есть не что иное, как пространство, заполненное энергией. Гарау заявил, что произведение искусства существует, хотя его и невозможно увидеть глазами. В качестве доказательства по приобретении скульптуры покупателю вручили сертификат, который дает право собственности, а также инструкцию по уходу и хранению.
Сальваторе Гарау, «Я есть» © itcrumbs.ru
7. Фрида Кало
Фрида Кало — мексиканская деятельница изобразительных искусств, наиболее известная своими автопортретами. По большей части в своих символических и сюрреалистических работах Фрида повествует о собственных переживаниях, испытываемой физической и душевной боли. Внушительную часть ее картин составляют изображения самой себя в разные периоды жизни. Она часто обращается к теме болезни и смерти.
Особенность работ Фриды Кало — их глубокая эмоциональность. Все, что не получается выразить словами, художница переносит на холст в виде аллегорий и символов. Всеми доступными средствами она правдиво изображает кровь, боль и проживание проблем. Фрида делится переживаниями из-за постоянных измен мужа — знаменитого профессионального художника Диего Риверы. Одна из таких работ называется «Всего-то несколько царапин!» с альтернативным наименованием «Страстно влюбленный», где в лице убийцы можно разглядеть черты ее партнера.
Особенность работ Фриды Кало — их глубокая эмоциональность. Все, что не получается выразить словами, художница переносит на холст в виде аллегорий и символов. Всеми доступными средствами она правдиво изображает кровь, боль и проживание проблем. Фрида делится переживаниями из-за постоянных измен мужа — знаменитого профессионального художника Диего Риверы. Одна из таких работ называется «Всего-то несколько царапин!» с альтернативным наименованием «Страстно влюбленный», где в лице убийцы можно разглядеть черты ее партнера.
Фрида Кало, «Всего-то несколько царапин!», 1935 © artchive.ru
8. Энди Уорхол
Энди Уорхол — американский дизайнер, великий художник, писатель русинского происхождения, важная фигура в истории поп-арта и современного искусства. В 1960-х годах был менеджером и продюсером альтернативной рок-группы The Velvet Underground.
Среди наиболее известных произведений художника — «Банки с супом Кэмпбелл» — аллегория на общество потребления. Оно состоит из тридцати двух полотен размером 51×41 см, каждое из которых выполнено синтетическими полимерными красками и изображает одну из разновидностей супа компании «Кэмпбелл». Эта работа стала отправной точкой в развитии поп-арта и карьеры Энди Уорхола.
Среди наиболее известных произведений художника — «Банки с супом Кэмпбелл» — аллегория на общество потребления. Оно состоит из тридцати двух полотен размером 51×41 см, каждое из которых выполнено синтетическими полимерными красками и изображает одну из разновидностей супа компании «Кэмпбелл». Эта работа стала отправной точкой в развитии поп-арта и карьеры Энди Уорхола.
Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962 © muzei-mira.com
9. Джефф Кунс
Джефф Кунс — один из самых дорогих и известных художников современности. Скульптор обрел популярность, когда начал использовать в качестве материала для работы полированную нержавеющую сталь, из которой создавал многометровые арт-объекты, напоминающие невесомые игрушки из воздушных шаров, но в действительности достигающие весом нескольких тонн.
Одно из таких произведений — «Кролик» — стало самым дорогим из проданных при жизни автора на аукционе: его оценили в 91 миллион долларов.
Одно из таких произведений — «Кролик» — стало самым дорогим из проданных при жизни автора на аукционе: его оценили в 91 миллион долларов.
Джефф Кунс, «Кролик», 1986 © theartnewspaper.ru
10. Такаси Мураками
Такаси Мураками — современный японский художник, работающий в рамках психоделического поп-арта, его произведения являются симбиозом массовой культуры и элитарного искусства. Произведения Такаси Мураками только кажутся развлекательными из-за своей яркости, однако по содержанию они глубоко философские. Художник известен своей теорией суперплоскости — Superflat. На ее основе он стремится объяснить не только новый визуальный язык современности, но и характер самой японской культуры. Главный тезис в том, что одной из отличительных черт национальной восточноазиатской психологии как в древности, так и сегодня является плоскостное восприятие мира, которое распространяется, в частности, на художественную среду. Он особенно подчеркивает «двухмерность» японского искусства, лишенного привычной для европейской живописи пространственной перспективы.
Знаковый символ автора на протяжении уже многих лет — лица в виде цветов, отражающих весь спектр эмоций: радость, грусть, злость, страх и прочее. Одна из таких работ — «Поле улыбающихся цветов», выполненная методом цветной шелкографии.
Знаковый символ автора на протяжении уже многих лет — лица в виде цветов, отражающих весь спектр эмоций: радость, грусть, злость, страх и прочее. Одна из таких работ — «Поле улыбающихся цветов», выполненная методом цветной шелкографии.
Такаси Мураками, «Поле улыбающихся цветов», 2008 © altmansgallery.com
11. Лучо Фонтана
Лучо Фонтана — один из самых знаменитых итальянских абстракционистов и скульпторов ХХ века. В своем творчестве он отстаивал принципы синтеза искусств, бросал вызов консервативности и стал родоначальником целого направления — спациализма, рассматривающего живопись и скульптуру как нечто однородное, объединяющее в себе законы цвета, звука, пространства, времени и движения.
Наиболее известные работы в этом стиле — серия под названием «Пространственные концепции», в которых художник использовал технику нанесения на холст надрезов, разрывов, отверстий и царапин. По задумке Фонтана, это открывало доступ к новому бесконечному измерению. С обратной стороны одного из таких произведений под названием «Пространственная концепция. Ожидание» художник написал: «Мягкая / посадка / русских на Луне… / Космическая эра», что стало своеобразной одой эпохе покорения космоса.
Наиболее известные работы в этом стиле — серия под названием «Пространственные концепции», в которых художник использовал технику нанесения на холст надрезов, разрывов, отверстий и царапин. По задумке Фонтана, это открывало доступ к новому бесконечному измерению. С обратной стороны одного из таких произведений под названием «Пространственная концепция. Ожидание» художник написал: «Мягкая / посадка / русских на Луне… / Космическая эра», что стало своеобразной одой эпохе покорения космоса.
Лучо Фонтана. «Пространственная концепция. Ожидание», 1965 © mamm-mdf.ru
12. Пьеро Мандзони
Пьеро Мандзони — итальянский художник-авангардист, представитель концептуализма. Его творчество провокационно, оно разрушает границы возможного в искусстве. Мандзони интересует образ самого творца, и он активно культивировал его в обществе.
Именно он создал одно из самых эпатажных произведений в истории современного искусства — Merda d’Artista (дословный перевод «Дерьмо художника»). По уверению Мандзони, в каждую из 90 консервных банок он поместил 30 граммов своих фекалий. Эти банки с собственным автографом на крышке он продал по цене 30 граммов золота. Сейчас же цена каждого объекта выросла в сотни раз.
Именно он создал одно из самых эпатажных произведений в истории современного искусства — Merda d’Artista (дословный перевод «Дерьмо художника»). По уверению Мандзони, в каждую из 90 консервных банок он поместил 30 граммов своих фекалий. Эти банки с собственным автографом на крышке он продал по цене 30 граммов золота. Сейчас же цена каждого объекта выросла в сотни раз.
Пьеро Мандзони, «Artist’s shit», 1961 © arzamas.academy
13. Дэвид Хокни
Дэвид Хокни — современный британский художник, талантливый мастер, фотограф и теоретик искусства. Он разработал собственную технику фотоколлажа, оформлял обложки для таких крупных журналов как Vogue и разрабатывал дизайн авто в рамках проекта BMW Art Car для BMW.
Одна из самых известных работ Хокни — «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» — стала ключевым элементом фильма «Большой всплеск» Джека Хазана, поставленного в 1974 году. В 2018 году картина была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 90,3 млн долларов, сделав Дэвида Хокни самым дорогим из ныне живущих художников на планете.
Одна из самых известных работ Хокни — «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» — стала ключевым элементом фильма «Большой всплеск» Джека Хазана, поставленного в 1974 году. В 2018 году картина была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 90,3 млн долларов, сделав Дэвида Хокни самым дорогим из ныне живущих художников на планете.
Дэвид Хокни, «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)», 1972 © artchive.ru
14. Герхард Рихтер
Герхард Рихтер — современный немецкий живописец, художник-пейзажист, стоявший у истоков капиталистического реализма. Его творчество — симбиоз почти фотографической образности и стремления к абстракции, за счет чего стиль его работ абсолютно уникален. По мотивам жизни талантливого художника был снят фильм «Работа без авторства» Флориана Хенкеля фон Доннерсмарка.
Одно из значимых произведений автора — «Соборная площадь, Милан». Удивительно, но это картина маслом на холсте, выполненная в рамках направления фотореализм.
Одно из значимых произведений автора — «Соборная площадь, Милан». Удивительно, но это картина маслом на холсте, выполненная в рамках направления фотореализм.
Герхард Рихтер, «Соборная площадь, Милан», 1968 © artchive.ru
15. Марсель Дюшан
Марсель Дюшан — современный французский и американский художник, теоретик искусства. Его творчество оказало огромное влияние на развитие концептуализма. Дюшан — родоначальник техники реди-мейд: она заключается в перемещении предметов из нехудожественного пространства в художественное, благодаря чему те открываются с неожиданной стороны, теряя свое первичное утилитарное значение. Такую технику называют «использованием в искусстве вещей из магазина».
Самая известная инсталляция, принесшая автору признание, — это «Фонтан». История создания объекта проста до невозможного: художник купил писсуар, перевернул его на 90 градусов, оставил подпись «R.Mutt» и дал название. Вместе с «Фонтаном» Дюшан фактически показал публике, что художественный акт — это не картина маслом, а непосредственно идея, вкладываемая автором в контекст.
Самая известная инсталляция, принесшая автору признание, — это «Фонтан». История создания объекта проста до невозможного: художник купил писсуар, перевернул его на 90 градусов, оставил подпись «R.Mutt» и дал название. Вместе с «Фонтаном» Дюшан фактически показал публике, что художественный акт — это не картина маслом, а непосредственно идея, вкладываемая автором в контекст.
Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917 © artchive.ru
16. Казимир Малевич
Казимир Малевич — советский художник-авангардист, философ и теоретик искусства. На абстрактное творчество Малевича повлиял момент, когда икона в обществе вдруг была переосмыслена как идеал художественного воплощения, когда она перестала быть только частью культа, став частью культуры — произведением искусства. Потеряв свою утилитарность, она впервые вышла за рамки церковного пространства и превратилась в выставочный экспонат.
Открытие иконы сподвигло Малевича к созданию теории беспредметной живописи, в конечном счёте отрицающей саму суть живописи. Цель супрематизма, по убеждению художника, заключается в выходе искусства за свои традиционные рамки, в проникновении за видимый и умопостигаемый человеком мир в абсолютное «Ничто», которое тем не менее не является пустотой, но в то же время есть «Нечто», не поддающееся описанию.
Сведя к минимуму живописную вещественность, телесность и изобразительность, Малевич оставляет лишь художественную пустоту — некий энергетический элемент, недоступный в рамках чувственного опыта, но сравнимый с иконописной обратной перспективой, буквально выворачивающей мир наизнанку. Одна из знаковых работ художника в рамках этой теории — «Черный супрематический квадрат», которая была вывешена в красном углу на футуристической выставке «0, 10».
Открытие иконы сподвигло Малевича к созданию теории беспредметной живописи, в конечном счёте отрицающей саму суть живописи. Цель супрематизма, по убеждению художника, заключается в выходе искусства за свои традиционные рамки, в проникновении за видимый и умопостигаемый человеком мир в абсолютное «Ничто», которое тем не менее не является пустотой, но в то же время есть «Нечто», не поддающееся описанию.
Сведя к минимуму живописную вещественность, телесность и изобразительность, Малевич оставляет лишь художественную пустоту — некий энергетический элемент, недоступный в рамках чувственного опыта, но сравнимый с иконописной обратной перспективой, буквально выворачивающей мир наизнанку. Одна из знаковых работ художника в рамках этой теории — «Черный супрематический квадрат», которая была вывешена в красном углу на футуристической выставке «0, 10».
Казимир Малевич, «Черный супрематический квадрат», 1915 © artchive.ru
17. Василий Кандинский
Василий Кандинский — русский художник-авангардист и теоретик искусства. Известен программным текстом «О духовном в искусстве», где объясняет символические смыслы цветового спектра, рассказывает, какой энергией наполнена краска, и раскрывает собственные взгляды на сущность произведения искусства. Эта книга стала своеобразной теорией абстракционизма.
Работы Кандинского во многом связаны с его болезнью — синестезией — неврологическим состоянием, которое позволяет ассоциировать цвета с определенными звуками и настроениями. Он написал множество картин, в которых оттенки символизируют специфические музыкальные ритмы. Одна из таких — «Музыкальная увертюра. Фиолетовый клин».
Работы Кандинского во многом связаны с его болезнью — синестезией — неврологическим состоянием, которое позволяет ассоциировать цвета с определенными звуками и настроениями. Он написал множество картин, в которых оттенки символизируют специфические музыкальные ритмы. Одна из таких — «Музыкальная увертюра. Фиолетовый клин».
Василий Кандинский, «Музыкальная увертюра. Фиолетовый клин», 1919 © artchive.ru
18. Юрий Злотников
Юрий Злотников — советский и российский абстракционист. Известен своей «сигнальной системой», в которой сочетал художественный подход и научные методы. Созданная во второй половине 1950-х годов, она представляет собой уникальный в России опыт искусства, основанного на перформативной практике и вдохновленного точными научными изысканиями в области математики, кибернетики, психологии.
Его серия работ «Сигналы» — не просто хаотично разбросанные на холсте круги: они «выявляют закономерности психофизиологической моторики и природу реакций на цвет и форму». «Сигналы» — очищенное от литературы, мелкотемья, детализации сталинское искусство. Абстрактное искусство периода постмодернизма психологично, научно, фактично, чисто, поэтому течение активно поддерживали ученые.
Его серия работ «Сигналы» — не просто хаотично разбросанные на холсте круги: они «выявляют закономерности психофизиологической моторики и природу реакций на цвет и форму». «Сигналы» — очищенное от литературы, мелкотемья, детализации сталинское искусство. Абстрактное искусство периода постмодернизма психологично, научно, фактично, чисто, поэтому течение активно поддерживали ученые.
Юрий Злотников, из серии «Сигналы» © wikiart.org
19. Илья Кабаков
Илья Кабаков — один из лидеров неофициального искусства московской концептуальной школы живописи, сформировавшейся в начале 1970-х годов. Поиски Кабаковым своего визуального ряда начались с традиционной техники живописи, но постепенно изобразительные элементы вышли за пределы плоскости. С его именем связано появление и развитие таких новаторских форм андеграундного высказывания, как «альбом» и «тотальная инсталляция». Оба предполагают полное погружение в произведение: в первом случае путем перелистывания страниц, во втором — во время передвижения зрителя внутри художественного пространства. Илья Кабаков стал всемирно известным в позднесоветский и постсоветский периоды благодаря инсталляциям, в которых исследовал тему коммунального быта и изучал границу приватного и общественного.
В одной из самых известных работ современного художника «Ящик с мусором» публике представлены старые, использованные вещи из мастерской, грязные кисти, банки из-под красок и прочее. В текстах и интервью Кабаков делится собственным отношением к мусору, который, по его словам, не только составлял значительную часть среды обитания человека в СССР, но и служил полноценной характеристикой его личности. Так, в своей работе автор переосмысляет ненужные бытовые вещи, придавая им новое сакральное значение — память о событии, встрече, находке.
В одной из самых известных работ современного художника «Ящик с мусором» публике представлены старые, использованные вещи из мастерской, грязные кисти, банки из-под красок и прочее. В текстах и интервью Кабаков делится собственным отношением к мусору, который, по его словам, не только составлял значительную часть среды обитания человека в СССР, но и служил полноценной характеристикой его личности. Так, в своей работе автор переосмысляет ненужные бытовые вещи, придавая им новое сакральное значение — память о событии, встрече, находке.
Илья Кабаков, «Ящик с мусором», 1981 © my.tretyakov.ru
20. Карл Андре
Карл Андре — американский художник, представитель минималистического направления в искусстве. Он стремился свести скульптуру к базовым формам, таким как квадраты, кубы, линии и диаграммы. В своих исследованиях структуры и пространства он делал акцент на отношении места и зрителя, считая, что скульптура — это не только определенная конструкция или объект, это еще и ее окружение. Он часто экспериментировал с плоскостями, объемами, горизонталями и вертикалями. Яркий пример — композиция «Неотесанные блоки».
Карл Андре, «Неотесанные блоки», 1975 © artguide.com
21. Ив Кляйн
Ив Кляйн — французский деятель искусства. Для его творчества характерен специфический пигмент синего — формулу художник запатентовал. Этот оттенок носит название «Международный синий Кляйна». Автор приобрел широкую известность благодаря своим «антропометриям». Один из ярких примеров — «Антропометрия, голубой период». Эта картина — результат организованного художником перформанса, в котором обнаженные женщины, измазанные в краске, оставляли отпечатки своего тела на холстах. Сам Кляйн не принимал непосредственного участия в создании работы, он выступал исключительно как автор идеи.
Ив Кляйн, «Антропометрия, голубой период», 1960 © artchive.ru
22. Джексон Поллок
Джексон Поллок — американский художник, работающий в рамках абстрактного экспрессионизма. Он славится особым применением новой техники современного искусства в живописи — дриппинга, для которой характерно разбрызгивание или выливание краски. По этой причине автор был известен под кличкой Джек Разбрызгиватель (Jack the Dripper). Он часто прибивал поверхность холста к стене или полу: так появлялась возможность ходить вокруг своего произведения и рассматривать его с четырех сторон. Он также не использовал обычный инструментарий художника, предпочитая палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом и прочее. Одна из самых значимых его работ — «Номер 5».
Джексон Поллок, «Номер 5», 1948 © artchive.ru
23. Он Кавара
Он Кавара — японский художник, представитель концептуализма. Он обрел известность благодаря серии работ «Сегодня», над которой работал с 1966 года. Она состоит непосредственно из самих дат, в которые произведения создавались, представляет из себя белые цифры типографским шрифтом на монохромных холстах. Их итоговый вариант художник хранил в специальных картонных коробках, содержащих также страницы из местных газет того дня и того города, где создавалось полотно.
Он Кавара, из серии «Сегодня», 1987 © artinvestment.ru
24. Йозеф Бойс
Йозеф Бойс — немецкий художник, один из основоположников международного арт-движения «флюксус». Он с нарочитым презрением относился к перфекционизму в работах, был мастером искусства состояния потока. Создавая свои инсталляции, Бойс зачастую использовал непривычные материалы: природные тягучие и мажущие субстанции, такие как мед, воск, топленый жир или сало. Художник также известен своими шокирующими перформансами и акциями. Так, в перформансе 1965 года он покрыл голову медом с золотой фольгой и молча, при помощи жестов и гримас, пояснял мертвому зайцу свои картины. Фотография с представления, на которой Бойс сидит с зайцем, была прозвана некоторыми искусствоведами «новой Моной Лизой Х Х века».
Йозеф Бойс, документация перформанса «Как объяснить картины мертвому зайцу», 1965 © iskusstvo-info.ru
25. Дональд Джадд
Дональд Джадд — американский скульптор и теоретик искусства, работающий в рамках минимализма. В своем творчестве художник сосредотачивается на материальности объектов и, обращаясь к промышленным материалам, создает крупные полые объекты, которые размещает в правильной геометрической последовательности. Джадд создает множество скульптур, по форме напоминающих прямоугольный параллелепипед, и изучает таким образом соотношение предмета и пространства вокруг него.
Дональд Джадд, «Без названия», 1989 © veryimportantlot.com
26. Дмитрий Врубель
Дмитрий Врубель — российский и немецкий художник, представитель современного искусства в стиле соц-арт. Многие работы автора можно отнести к направлению фотореализм: он никогда не писал картины непосредственно с натуры, чаще всего — с фотографии. Художник открыто именовал себя «политическим живописцем», потому что лейтмотивом творчества и фокусом его внимания всегда была политика.
Врубель известен главным образом как автор граффити «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви», которое стало одним из символов воссоединенной Германии. Для большинства современников художника этот образ стал мощным визуальным символом эпохи крушения коммунистических государств. Многочисленные фотографии росписи были опубликованы в ведущих немецких газетах и журналах, а затем разошлись по всему миру, и так она превратилась в один из самых узнаваемых символов Берлина.
Врубель известен главным образом как автор граффити «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви», которое стало одним из символов воссоединенной Германии. Для большинства современников художника этот образ стал мощным визуальным символом эпохи крушения коммунистических государств. Многочисленные фотографии росписи были опубликованы в ведущих немецких газетах и журналах, а затем разошлись по всему миру, и так она превратилась в один из самых узнаваемых символов Берлина.
Дмитрий Врубель, «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви», 1990 © vladey.net
27. Тимофей Радя
Тимофей Радя — современный российский художник, работающий в рамках уличного искусства. Он создает паблик-арт и граффити на остросоциальные и политические темы, а также документирует свое творчество в фотографии. Размещая свои работы в городской или природной среде, зачастую нелегально, он стремится привлечь внимание зрителей к проблемам в обществе. В своих произведениях прибегает к текстуальным композициям и фокусируется прежде всего на смысловом содержании.
Одна из самых известных акций художника была проведена в рамках новой совместной инициативы международного фестиваля документального кино о новой культуре Beat Film Festival. Для него был создан и сожжен арт-объект FUTURE: огромная композиция из букв горела на фоне заката более двадцати минут.
Одна из самых известных акций художника была проведена в рамках новой совместной инициативы международного фестиваля документального кино о новой культуре Beat Film Festival. Для него был создан и сожжен арт-объект FUTURE: огромная композиция из букв горела на фоне заката более двадцати минут.
Тимофей Радя, FUTURE, 2020 © sobaka.ru
28. Кристина Куорлс
Кристина Куорлс — современная молодая художница из Америки, которая исследует природу самоидентичности и расовой принадлежности. Ее сюрреалистические работы стоят на границе между фигуративной и абстрактной живописью. Она изображает гибкие силуэты, фрагментированные и искаженные фигуры, переплетающиеся между собой, а также перетекающие друг в друга. Ее искусство во многом обращается к вопросам телесности и чувственности.
Кристина Куорлс, «Новая луна», 2021 © christinaquarles.com
29. Артем Лоскутов
Артем Лоскутов — российский художник 21 века, один из организаторов шествия-хэппенинга «Монстрация» в Новосибирске. Свои работы автор традиционно посвящает острым социально-политическим темам, выражая иронию и возмущение одновременно. Работа с изображением банки сгущенки с надписью «Запрещенка» стало символом его творчества. Лоскутов взял за основу бытовой российский образ, закрепившийся в народном сознании, из которого с помощью каламбура и приемов поп-арта создал остросоциальное произведение.
Артем Лоскутов, «Запрещенка», 2018 © vladey.net
30. Кристофер Вул
Кристофер Вул — американский художник и скульптор. Мастер авангардного минимализма известен благодаря современной живописи большого формата с изображениями черных букв на белых холстах. В последние годы художник создает монохромные абстрактные картины, которые выглядят, как пересекающиеся слои наносимых и стираемых линий. Вул работает в разных техниках, включая разбрызгивание краски и шелкографию. Первой его популярной работой стало полотно Apocalypse Now, которое ушло с молотка за 27 миллионов долларов и было экспонировано во многих музеях мира.
Кристофер Вул, «Апокалипсис сейчас», 1988 © znaydaydzest.ru
Больше материалов о современном искусстве читайте в блоге школы. А стать современным художником помогут образовательные курсы MSCA.
Фоновое изображение: Yves Klein, excerpt from «Chelsea Hotel Manifesto», 1961 © yvesklein.com
Фоновое изображение: Yves Klein, excerpt from «Chelsea Hotel Manifesto», 1961 © yvesklein.com
1Источник: A report by Art Basel & UBS (2023)